Clase de Ballet

El battement tendu

El battement tendu es básicamente la extensión de una pierna (adelante, atrás o al costado) sin levantar la punta del suelo. Un movimiento de apariencia simple, pero que a menudo supone bastante tiempo conseguir una comprensión y ejecución aceptables.

En principio debemos tener en cuenta que ningún ejercicio de barra está creado al azar, o porque si. En la danza clásica todo tiene una razón de existir, dentro de un orden perfectamente establecido. Es necesario que el alumno sepa para que y porque hace determinado movimiento, porque la importancia de mejorarlo y sistematizarlo.  La comprensión de la danza implicará que entienda lo que está haciendo y con que fines, que partes de su cuerpo está empleando y como debe hacerlo correctamente.  En este sentido, el tendu es un paso de ballet en si mismo, a la vez que nos abre hacia un universo de movimientos que tiene su origen en esta acción. De allí que no es un capricho repetirlo cientos de veces al principio, sino que, hasta que un tendu no esté más o menos bien ejecutado, difícilmente podamos lograr un degagé, grand battement, o hacer una combinación simple en ritmo de allegro de manera medianamente coherente.

En el battement tendu nacen todas las extensiones de piernas, en cualquiera de sus variantes. Es decir, que si un tendu no está asimilado habrá dificultades para pasar a movimientos más complejos, o combinarlo con otros movimientos simples. En el tendu comenzamos por acostumbrarnos al trabajo en croix, a encontrar el acento de la música, a saber cuando cierro adelante y atrás a la séconde (en la 3º posición primero, más tarde en 5º), a coordinar brazos, piernas y cabeza, a conseguir velocidad poco a poco, a ejercitar progresivamente el estiramiento de piernas y pies.

De modo, que aunque parezcan iguales y monótonos, los battements tendus guardan muchísimos secretos y son el origen de infinidad de movimientos. Es por ello la razón de su importancia y de su repetición rutinaria.

Nota: El correcto estudio de la técnica debe impartirse de forma presencial, de modo que leer éste o cualquier otro artículo no será úitl para aprender un paso de ballet, en cambio si para recordar o consolidar aquello que ya sabe el alumno. No obstante, ha de prestarse atención al siguiente aspecto: cada battement implica cumplir un orden de seis fases con un tramo de arrastre (consulta con tu profesor)

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Los estiramientos

La práctica de estiramientos a diario es la mejor manera de mantenerse saludable, y cuando hablamos de danza estas técnicas se convierten en rutina prioritaria. Todos sabemos en teoría la importancia de estirar muy bien, pero no todo el mundo la sigue debidamente. Preparar nuestro cuerpo antes de hacer clase es necesario para calentar los músculos, previniendo tensiones y lesiones, manteniéndolo flexible y listo para efectuar movimientos más duros. Si bien, la barra clásica está perfectamente estructurada de modo que el cuerpo se vaya calentando progresivamente y trabajando cada una de sus partes, desde pies hasta piernas, caderas y espalda, el estiramiento previo nos ayuda a despertar nuestro cuerpo de la quietud de otras actividades cotidianas, como leer o estudiar y nos predispone a iniciar la clase de danza con mayor vigor.

Los ejercicios de estiramiento pueden efectuarse antes de empezar la clase, al terminar la barra y/o al concluir la clase. Antes de clase deben ser más suaves y después de la barra podemos acentuar el estiramiento y la elongación ya que el cuerpo ha entrado en calor.  Desde mi punto de vista, es mejor evitar los movimientos de rebote y estirar cada músculo dando unos segundos de tiempo a que se estiren solos. En el caso de hacer rebotes, deben ser realizados suave y cuidadosamente para evitar desgarros. Tanto el estiramiento estático como dinámico son ejercicios válidos pero debemos tener en cuenta que el estiramiento debe practicarse desde los ejercicios más leves hasta los más intensos de forma gradual y coherente, sin incurrir en la ansiedad de intentar exigir más de lo posible. Y tenemos que ser pacientes y constantes para conseguir resultados sin caer en lesiones que supongan una baja que nos deje fuera del entrenamiento.

¿Para que sirve un buen estiramiento? A nivel general, sirve para agilizar las acciones de movimiento de cualquier individuo, además de mejorar el ritmo para evitar la lentitud que sobreviene con la edad, ampliar el rango de movimiento, mejora el andar, previene caídas y lesiones, combate el estrés y las tensiones musculares y nos ayuda a mantenernos más activos. Asimismo mejora la circulación, y por consiguiente, mejora la capacidad física y mental (siempre que practiquemos estiramientos con regularidad)

Para un bailarín es primordial antes de cargar al cuerpo con mayor responsabilidad sobre los músculos con ejercicios de mayor exigencia y mantener el buen estado de forma cosechando buenos resultados. Un plié, développé o fondu dependen en buena parte, no solo de la práctica, sino también de un buena rutina de estiramiento, ya que una musculatura flexible es la que aporta la belleza de un movimiento ligado y armonioso.

Los brazos

Los brazos también responden a la gracia y a la perfección de la danza, y no debemos pensar que por si solos van a responder a lo que pedimos. Es muy necesario ejercitarlos, ya que, he observado con frecuencia que son olvidados, centrando toda la atención en la técnica de los miembros inferiores. Lo cierto es, que hasta el más hermoso paso de ballet puede caer en desgracia por no estar debidamente acompañado de un estudio eficiente del port de bras. Y para ello volvemos a reiterar la importancia de un buen estiramiento para mantener la flexibilidad de los brazos -desde los hombros hasta las muñecas- para mejorar su sujeción, aumentar la delicadeza del movimiento y mejorar la longitud del espacio recorrido en los port de bras. Tampoco olvidemos que son herramientas que debemos manejar a nuestro favor para fomentar el equilibrio.

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Acerca de los “giros”

Por Rosalía Merens

Como ya lo he mencionado antes, una de las mejores maneras de aprender es investigando lo que nos inquieta. Esta vez me gustaría que profundizaran en el tema “giros”.
Cuando se inician las prácticas de pasos que incluyen giros, a las alumnas se les presenta el problema de mantener la vertical cuando tienen que ejecutarlos, no marearse y, consecuentemente, no caer. Alguien describió a los giros como “el resultado de una confusión entre lo que los ojos ven y lo que el cerebro dice”. Al girar vuelta tras vuelta y parar repentinamente, se puede sentir como si la sala continuase moviéndose, aún cuando estemos seguras de que absolutamente todo está inmóvil y nuestros pies están apoyados firmemente en el piso. ¿Por qué sucede esto? Sencillamente debido a que el mareo altera la capacidad de equilibrio. El mareo es gobernado principalmente por la información que se recibe a través de los ojos y por tres compartimientos llenos de fluido, llamados canales semicirculares, ubicados, en el oído interno. Cuando se mueve nuestra cabeza de lado a lado, dichos fluidos permanecen relativamente estáticos en relación al movimiento de la cabeza.
Los fluidos se conectan con las células especiales del nervio y envían un mensaje al cerebro. La diferencia que existe entre el movimiento del líquido y el movimiento de la cabeza se procesa en el cerebro, que calcula la velocidad y dirección del movimiento.
Cuando el cuerpo gira continuamente, el líquido en el oído interno toma impulso y gira también. Una vez que este ímpetu se acumula, es lento para detenerse y se mantiene girando, incluso después que la cabeza está estática. Por eso, el cerebro cree que el cuerpo continúa girando aun cuando los ojos le digan lo contrario. Esta contradicción entre los órganos del equilibrio del oído interno y la visión (el ojo ve que se ha parado, pero se siente como que no ha sucedido) causa mareos. El cerebro tiene dos mensajes desiguales, y está intentando resolver si se le está diciendo la verdad. En la mayor parte de la gente, estos mareos se calman pronto, pero para los que sufren enfermedades en el oído interno, una vuelta simple de la cabeza puede causar mareos extremos que conducen a la náusea y a vomitar y el único respiro es cuando se acuestan.
Las bailarinas detiene el mareo “mirando fijo”: centrando su mirada en un punto mientras le sea posible antes de dar vuelta la cabeza en el giro levantando el cuerpo y el enfoque hacia el mismo punto. La cabeza por lo tanto se mantiene tanto como se pueda, por el tiempo que sea posible, mientras el cuerpo se esté moviendo continuamente. Esto permite al líquido del oído interno permanecer todavía relativamente y no formar ningún mareo, evitando así las señales confusas cuando el cuerpo para.Dicen que una de las primeras bailarinas que utilizó este artificio de mirar a un punto fijo, lo descubrió fijando su mirada en las condecoraciones de un militar ruso que asistía siempre a las funciones de ballet, ocupando el mismo palco.
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Clases de danza para adultos: arte, entretenimiento y pasatiempo

En la edad adulta, la práctica de la danza puede convertirse en un espacio de expresión, esparcimiento y ejercicio

¿Qué imágenes llegan a tu mente cuando se menciona “danza” o “ballet”? Exacto. Niñas con tutú rosa, jovencitas en zapatillas de punta. Sin embargo, los beneficios que aporta la danza no son exclusivos para la gente de corta edad, así que, si siempre te ha gustado la danza, y estás pensando en una actividad que te llene de regocijo, sigue leyendo el presente artículo.

Grupos especiales para adultos

En muchas academias y escuelas de danza, ya existen clases especiales para adultos. Los contenidos, la música, y los ejercicios se adaptan para practicantes de 18 años en adelante. Este tipo de clases suelen ser muy dinámicas ya que se toma en cuenta que un adulto tiene más resistencia muscular y física que un infante. Por lo regular, se consideran estas clases como un entrenamiento, y no tienen como finalidad exponer los resultados de la clase en un concierto al público, aunque se brinda como una opción tal posibilidad. Los estilos más populares en cuanto a clases para adultos se refiere son: Jazz, Flamenco, Salsa, Hip-hop. Sin embargo, en academias especializadas en danza clásica es muy probable que tengan grupos especiales para adultos principiantes o que regresan a la danza.

Un buen ejercicio

Si de niñ@ o jovencit@ practicaste danza, y ahora estás buscando una actividad para ponerte en forma… la danza puede volver a ser una excelente manera de lograrlo. Ya tienes los conocimientos, por lo que es muy probable que tus músculos “recuerden” la manera en que se realiza un plié o grand battement. Sin embargo, tienes que ser realista y no formar expectativas inadecuadas como soñar con “ser bailarina otra vez”. Enfócate, disfruta tu entrenamiento. Dialoga mucho con el instructor si algunos movimientos te resultan difíciles de lograr.

Beneficia tu figura

La danza es un excelente modelador de la figura. En su extensa gama de movimientos, que va desde los ejercicios de barra, a los de estiramiento y trabajo en el centro del salón, se trabajan todos los grupos musculares. Adicionalmente, el énfasis que se pone en la elasticidad, le proporciona a tus músculos un desarrollo elongado y fino.

Socializar

Las clases de danza se convierten en un excelente espacio de sociabilización. Conocer gente con gustos similares, compartir el gusto por el movimiento, la música, te puede brindar como beneficio adicional un puñado de buenas amistades.

Refina tus habilidades

Coordinación, equilibrio, sentido rítmico, conciencia espacial, alineación de la postura, son recursos inherentes a la danza y que utilizarás en tu vida diaria. La habilidad para apreciar una pieza musical, o un espectáculo de danza, son aportes adicionales que también vas a disfrutar.

Expresión y relajación

Imagina tener un espacio de una hora, varias veces a la semana, en que tu única preocupación será cómo hacer tu movimiento de brazos más suave o lograr bailar esa coreografía de hip-hop que has visto en la TV. Relajante… ¿no? Regálate esos momentos de dedicación a tí mismo, a tus posibilidades expresivas, y te darás cuenta que es un tiempo bien invertido.

La danza debería ser un arte que nos acompañe toda la vida, como un pasatiempo, como un entrenamiento o como un espacio de expresión. La música, el movimiento, el contacto con nuestras posibilidades y habilidades, es algo tan importante que deberíamos practicar en nuestra edad adulta.

Así que… a sacar esas zapatillas de baile del cajón y comenzar a bailar… ¡ya

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El ballet y los niños

Por Aireem Reyes, de Emisora Habana Radio

La única vía de relacionar a los niños con el ballet no es haciéndolos participar en talleres, tomando clases, o insistiendo en que se conviertan en bailarines. El mundo no solo está hecho de artistas, pues su razón de ser son los espectadores.
Creo que el primer paso para interesar a los niños en el ballet es afianzando su capacidad de apreciación de este tipo de espectáculo: educándolos para ser espectadores; si se convierten en artistas o no sólo el tiempo lo dirá. Además, es un muy provechoso enseñar a los niños a amar el arte en general; acercando el arte a ellos por diferentes vías tendremos artistas y espectadores del futuro mejor preparados. Es increíble la manera en que un niño puede razonar las cosas de la vida cotidiana, pues su mente es infinita y bastante desprejuiciada; esta mirada ingenua al arte hace de los niños potenciales espectadores que juzgan según su horizonte de expectativas y de esta forma amplían su universo cognoscitivo y su capacidad intelectual.

Una manera de acercarlos es por la propia historia que cuentan los espectáculos de ballet, y podemos tomar como punto de partida los cuentos de hadas.
Los cuentos de hadas han inspirado la creación de gran número de ballets que, con frecuencia, adoptan ciertos pasos de las danzas folklóricas. Asimismo su música se ha compuesto a veces sobre aires populares. Un compositor de ballets ha dicho sobre ellos que eran como cuadros vivientes, que muestran cómo se vivía en una época y lugar determinados. En este sentido el ballet se parece mucho a una obra de teatro o a una película; pero su argumento carece de diálogos y se encargan de referirlo la danza y la música.
Uno de los cuentos de hadas que ha sido llevado al plano escénico es “Hansel y Gretel”, en este caso, el ballet nos hace revivir lo que les sucedió con la malvada bruja en la casa de mazapán, y, por último la huida de ellos. Al presenciar este ballet los niños quedan sorprendidos al ver con qué facilidad puede contarse un cuento sin emplear una sola palabra. Los decorados, la música y las evoluciones de los bailarines dicen con tanta claridad el cuento como si fuera hablado. Claro está que para esto es preciso que los bailarines sean muy buenos actores, pues no basta con que resulte agradable ver sus movimientos, sino que estos deben tener, asimismo, una significación.
Otro de los cuentos de hadas es “Cascanueces”, la protagonista de este ballet es una niña que recibió un cascanueces como regalo. El cascanueces era, en realidad, el príncipe encantado, que se llevó consigo a la niña al país de las hadas. En uno de los episodios del sueño la niña se suma a la danza de los copos de nieve y conoce al rey y a la reina de las nieves. La niña rompe el encanto que pesaba sobre el cascanueces, y de este modo libera al príncipe. La deliciosa música de este ballet impulsa a las hadas-copos de nieve y a los duendes transformados en hojas y flores, en un alegre y desenfrenado torbellino que resulta sumamente agradable de contemplar para los infantes.
“Pedro y el Lobo” es la historia de Pedro y sus tres amigos: el pájaro, el pato y el gato. Todos juntos atraen al malvado lobo, lo capturan y se lo llevan triunfalmente al parque zoológico. Los disfraces de los animales hacen que este ballet sea tan divertido para los bailarines como para el público. La música de esta obra se escribió para que los niños aprendiesen a reconocer los sonidos de diversos instrumentos musicales que componen una orquesta, así, cada animal está representado por un instrumento: el pájaro, por la flauta; el pato, por un oboe; el gato, por un clarinete; y el lobo por tres acordes orquestales.
“Petroucka” es un magnífico ballet que relata las aventuras de tres marionetas que son exhibidas por Charlatán. Esas marionetas son: Petroucka, payaso de cara triste, el Moro Feroz y la muñeca Bailarina. El Moro y Petroucka están enamorados de Bailarina que prefiere al primero. La danza del oso, que es otro personaje de la fábula, resulta muy divertida, pues la música imita los torpes balanceos del oso, que se contonea con sus patas traseras.El corazón de Petroucka sufre porque Bailarina no lo ama. También le causa tristeza saberse prisionero para siempre del codicioso Charlatán, que se hace rico con sus marionetas. Durante la fiesta del Carnaval Petroucka pelea con el Moro, que cae encima de él y lo mata. A pesar de que Petroucka muere, lo hace con una sonrisa en los labios ya que finalmente alcanza su libertad. Y aunque el final en términos de “felices para siempre” se vaya un poquito de esta idea, es necesario aclarar que el arte también es portador de valores y enseñanzas, y si guiamos bien a nuestros niños, les brindaremos la oportunidad de definir los elementos de suma importancia en la vida como la libertad.
El ballet no debería ser exclusividad de un círculo mágico. Todos los seres humanos debemos y podemos estar en condiciones de situarnos frente al arte, profundizar en sus enfoques, aun cuando sus efectos estéticos sean totalmente personales. Los niños de hoy, son los hombres y mujeres del mañana, y hay que tener la suspicacia de guiarlos por un camino que, plagado de todos los valores justos, también sean sensibles a lo estético y sepan apreciar por ejemplo, una obra de ballet. No hay justifcación de que las funciones sean tarde en la noche, siempre nos queda la opción de la tarde de los domingos…

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Las variaciones

Las variaciones en el ballet clásico hacen referencia a composiciones coreográficas creadas específicamente para ser representadas por un solo bailarín. Podríamos decir que es una danza a solas, ejecutada siempre por primeros bailarines o bailarines solistas.

Cuando llega el momento de las puntas debemos saber que una vez tengamos la base técnica y física necesaria, vendrá más tarde el ejercicio de las variaciones junto al conocimiento y el dominio del repertorio clásico tradicional. En este sentido, el perfeccionamiento técnico resulta imprescindible.

Las variaciones son consideradas como ejercicios eficaces y completos para el entrenamiento de un alumno avanzado, ya que exigen una correcta ejecución y habilidad interpretativa para representar los diferentes roles del ballet. Si bien las mismas están creadas para ser interpretadas por bailarines profesionales, permiten al alumno enfrentar el reto de demostrar talento y virtuosismo tanto técnico como expresivo, estimulando su capacidad y niveles de exigencia.

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Como hacer un moño de ballet

Tienes un examen, una actuación, o simplemente necesitas hacerte un bonito moño para asistir a clase? Para lucir un moño bien hecho se necesita algo de práctica y otro pelín de habilidad. Pero no es algo imposible. Yo diría que es indispensable para toda bailarina saber hacerse el moño. Un buen peinado a la hora de bailar nos aporta elegancia y destaca la expresividad, además de aportarnos una imagen cuidada y prolija.

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Materiales que necesitamos:

Peines finos, cepillo, horquillas abiertas y cerradas, goma, gel o laca, redecilla. En caso de actuar es recomendable la redecilla invisible del mismo color de tu pelo.

Procedimiento:

Peina y desenreda bien el pelo con un cepillo.

Mójate el cabello con un poco de agua y acto seguido hazte una coleta bien tirante, cuidando que no se escapen pelitos ni flequillos. Para ello, sírvete de un peine de dientes finos, de este modo el pelo quedará bien estirado. La coleta no debe quedar ni muy baja, ni excesivamente alta. Si así fuera, nos dificultaría el paso siguiente.

Una vez hecha la coleta, mójala otra vez y divídela en varios mechones. Enrosca cada mechón en forma de tirabuzón ayudándote con gel. Luego enrosca cada mechón sobre el nacimiento de la coleta en forma de círculo. Coge cada mechón con horquillas abiertas y bien sujeto. Debes formar círculos a izquierda y a derecha, para que el moño quede centrado.

Cuando hayas terminado asegúralo con más horquillas abiertas, y utiliza las horquillas cerradas para sujetar bien el pelo de los costados, o cualquier pelillo que amenace con salir de su lugar.
Colócate la redecilla y fija el peinado con laca y más gel si fuese necesario. Ya puedes colocar tu tocado.

A tener en cuenta:

Las niñas pequeñas o con poco pelo, difícilmente puedan dividir su pelo en varias partes. De modo, que dependiendo de la mata de pelo, podrás hacerte un solo mechón enroscado, dos o más. Desde luego, tener abundante cabellera nos ayuda a lucir un hermoso moño, pero tratando de no llevar nunca un exagerado ornamento de cabello.

Para ello, una estudiante de ballet o una bailarina, debe tener un largo de pelo adecuado para hacer correctamente un moño. Si tienes poco pelo puedes dejártelo largo para hacer tirabuzones extensos que otorguen volumen a tu moño, o por el contrario, si tienes mucha cantidad de cabello debes intentar conservarlo en una medida que no sobrepase demasiado los hombros. De este modo, tu moño tendrá armonía y no será excesivamente grande.

Procura no caer en la tentación de llevar cortes muy escalonados ya que será difícil coger bien el pelo y deberás abusar de las horquillas causando un efecto antiestético. Tampoco abuses de los tintes muy estridentes ni mechas muy anchas ya que no quedarían bien a la hora de salir a escena.

Ten en cuenta que ciertos personajes – caso de Giselle – lucen moños bajos.

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