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1818-2018 Marius Petipa y el ballet ruso

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Marius Petipa 1818 – 1910

El ballet es un arte que ha sido desde siempre el referente de príncipes, reyes y emperadores. De hecho, algunas de las grandes compañías como el Royal Ballet de Londres, el Danish Royal Ballet, el Dutch Royal Ballet y muchas otras llevan en su nombre la impronta de su estirpe.

Si bien el ballet nació en Italia y se desarrolló en Francia, fue en el Imperio Ruso donde obtuvo su gran esplendor. Los zares no escatimaron esfuerzos para conseguir el mejor ballet del mundo. El gran ballet académico se asoció a Marius Petipa, director y maestro de ballet de los Teatros Imperiales de San Petersburgo desde 1869 hasta su muerte.

Nacido en Marsella en 1818 en una familia de bailarines y actores, Marius Petipa hizo una carrera de más de cincuenta años en Rusia , dejando a la posteridad sesenta creaciones, como La Bayadera, El Corsario, Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente, y Raymonda, entre otros, que siguen estando vigentes sobre todos los escenarios del mundo. El nombre “Petipa” se ha convertido en sinónimo de ballet clásico y su experiencia sigue siendo fundamental para el pensamiento de muchos coreógrafos y maestros contemporáneos. El nombre, de popularidad universal, sugiere que su obra conforma una especie de “núcleo común” en la cultura internacional de la danza. Sin embargo en Francia, su país natal, no hay trabajos sobre él, ni siquiera una sencilla biografía, y su labor ha sido un reconocimiento tardío dedicado exclusivamente como corrección de Rudolf Nureyev al frente del Ballet de la Ópera Nacional de París en la década de 1980.

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Emma Minchenok

Para el próximo 2018 se realizarán en Francia una serie de celebraciones y conferencias para analizar el importante papel de Petipa en la historia del ballet en general, las relaciones culturales franco-rusas, y justificar un estudio exhaustivo de su trabajo que finalmente se ha completado en perspectiva de la celebración de su bicentenario. En Burdeos tendrá lugar un simposio que se abrirá con eventos culturales que culminarán en Marsella, lugar de nacimiento de Marius Petipa.

Los organizadores tienen la intención de elaborar una evaluación científica que se organiza en torno a una serie de objetivos científicos principales:

Eje 1 Estado actual del ballet en Francia y Rusia en 1840 • Las escenas de ballet y el Gran Teatro de Burdeos • Los orígenes del ballet en Rusia y adaptación de un género occidental • Los coreógrafos franceses en el Imperio Ruso: Jean-Baptiste Lande, The Charles Picq, Charles DIDELOT, Alexis Scipio Blache, Auguste Leek, Arthur Saint-Léon, Jules Perrot … • El directorio, el teatro, la música, la coreografía, los artistas • los roles masculinos y femeninos en el género de argumento del ballet, coreografía, organización

Eje 2 Retrato de Marius Petipa. intérprete y diseñador • El Petipa, una dinastía de bailarines y actores • Petipa intérprete: su carrera y funciones a través de los testimonios de los contemporáneos • ballets: Estudio de los argumentos, la puesta en escena (decorados y vestuario) , música (compositores: Cesare Pugni, Riccardo Drigo, Piotr Ilyich Tchaikovsky, Alexander Glazunov …); el “estilo de Petipa” • Rewrites Dance (Mazilier de Perrot, Dauberval, etc.) operado por Marius Petipa

Eje 3. Institución del ballet en Rusia en el momento Petipa • El papel “oficial” del ballet en los Teatros Imperiales. La compañía de San Petersburgo y la troupe de Moscú, su lugar en la vida cultural de la sociedad rusa. Ballet en los otros teatros del imperio ruso • La enseñanza de la danza a la edad de Petipa. La escuela de ballet de San Petersburgo • Petipa en los Teatros Imperiales. Sus relaciones con los directores • intérpretes Petipa. El estado de la bailarina / bailarín en el momento Petipa

Eje 4. Radiación y  legado de Petipa en el Imperio ruso, la Unión Soviética y en el mundo • Petipa y Francia. Petipa en la Ópera de París • De Petipa para los Ballets Rusos. Ballet Petipa Soviético • El legado de Petipa en el mundo • ballets de Petipa como inspiración para los coreógrafos contemporáneos.

Info: Conference “FROM BORDEAUX TO SAINT PETERSBURG, MARIUS PETIPA (1818-1910) AND  THE « RUSSIAN » BALLET”
Bordeaux Grand Theatre оn 21-22-23 October, 2015. Call for submissions is open until 15 november, 2014

For more details, see at our Blog :http://mlada.hypotheses.org/appel-a-communications-fr

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Gran Teatro de Burdeos
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Pies de bailarina. Como mejorar su aspecto y flexibilidad

Si un bailarín/a tiene poco empeine, no se sentirá a la altura de las circunstancias sobre el escenario. El pie además, es uno de los temas de mayor consulta que recibo ya que todos los bailarines de ballet prestan mucha atención a sus pies buscando mejorar constantemente empeines y arcos. Por desgracia, el arco y el empeine están determinados en gran parte por factores genéticos sobre los que no tenemos ningún control. Sin embargo, se puede mejorar el aspecto aumentando la fuerza, flexibilidad y estética con diferentes opciones.

  • Ejercicio: La opción más barata y de la que nunca puedes prescindir. Si tienes unos pies aptos o no, el ejercicio siempre deberá formar parte de tu rutina. Lo importante es hacer ejercicio a diario y no forzar tus pies en exceso, ya que una lesión podría dejarte fuera de la actividad y provocar serias dificultades para continuar.

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  • Dispositivos: En el mercado existen diferentes marcas, modelos y precios. En Europa y Estados Unidos se consiguen en tiendas especializadas. Si no tienes un comercio a tu alcance, en Internet hay tiendas online donde puedes adquirirlos. Estos son solo unos ejemplos.
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  • Inyecciones de colágeno: Hay bailarines famosos que usan las inyecciones de colágeno y recurren a la cirugía para conseguir las líneas estéticas deseadas. Si crees que ésta puede ser una solución a tu alcance, consulta con un especialista.

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  • Liposucción de tobillos: Consiste en eliminar el exceso de grasa acumulada en esta zona del cuerpo, lo cual permitirá que aquellos individuos que sufran de la llamada “pierna de elefante” luzcan unas extremidades perfectas.  Tener grasa en los tobillos es una cuestión genética, por lo que la gente que quiere reducir su volumen no lo logrará sólo con dietas y ejercicios; forzosamente deberá someterse a esta operación.

 

 

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Salud y Cuidados

Balanchine Body

George Balanchine (1904-1983), renombrado coreógrafo del ballet americano, adoptó la denominación “Balanchine Body” para hacer referencia al tipo de bailarines que él perseguía. Las personas con este tipo de cuerpo son literalmente muy delgadas. El razonamiento creativo detrás de estos términos implica que todos sus ejecutantes tengan el mismo aspecto para que sus cuerpos se ocupen de ejecutar los movimientos de manera muy similar. Estos cuerpos magros y largos también permitieron a Balanchine atenuar las líneas de los bailarines desde los pies hasta los brazos, y la delgadez de sus extremidades hizo que estas líneas no fueran interrumpidas por ninguna curva. Estas estilizadas líneas, según Balanchine, una bailarina gruesa nunca las podría lograr.

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Este tipo de cuerpo pronto fue deseado por muchas otras compañías de ballet de todo el mundo. Los bailarines que deseaban tener una carrera profesional necesitaban lograr este tipo de cuerpo para conseguir trabajo. De modo que esta tendencia hizo que muchos maestros empujaran a sus alumnos a estas normas.

En este sentido, los profesores de ballet tienen un gran impacto en la autoestima de sus alumnos. Los estudiantes admiran a sus maestros, y toman todo lo que sale de sus bocas como verdadero (por lo menos a una edad temprana). Si un profesor de ballet dice: “para ser un mejor bailarín se debe ser delgado”, a continuación, los estudiantes lo asumirán como un dogma (al menos aquellos con intereses profesionales) Y hay que admitir que a menudo los profesores de ballet son conocidos por burlarse de los estudiantes con peso, comparar a los estudiantes entre sí, y ejercer claros favoritismos.

Por supuesto que, como en cualquier relación humana, la relación maestro-alumno no será igual en todos los casos, pero a menudo el buen modo y la pedagogía brillan por su ausencia, y en lugar de aconsejar a un alumno en privado se hace de manera grosera y ofensiva.

Un alumno jamás debe ser tratado en condiciones de inferioridad, ya que, como joven está en todo su derecho de aprender, y quien sabe, en un futuro pueda enseñarnos muchas cosas. Y es cierto que también, hay jóvenes con ligero sobrepeso que tienen una gran capacidad de trabajo, los cuales deben ser guiados a perfeccionar sus líneas de la manera más apta y saludable. Por tanto, se hace muy necesario ajustar las actitudes con respecto al peso en el estudio del ballet, lo cual no implica tener que aceptar la obesidad o el sobrepeso, si no encausar el problema con respeto y tolerancia para lograr que los alumnos alcancen sus objetivos satisfactoriamente sin caer en humillaciones o descalificaciones que pueden conducir (en el peor de los casos) a serios trastornos de la alimentación.

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El mundo de la danza se centra en el movimiento del cuerpo humano, pero no todos los cuerpos han sido representados en las salas de concierto. La estética y la belleza se imponen de manera irrebatible. Desde hace más de cien años, los maestros y coreógrafos han combatido la obesidad de tal forma que un estudiante con sobrepeso se siente absolutamente excluido. Los jóvenes que sufren de obesidad pueden querer bailar, pero están desalentados por el clima social y el estigma que la comunidad de la danza mantiene contra la obesidad. También, la gente con sobrepeso piensa que no tiene lugar en una clase de ballet, aunque no persigan objetivos laborales.

La danza es un arte de control completo. Un bailarín debe tener conocimiento de todos los músculos de su cuerpo y debe utilizar este conocimiento para controlar cada músculo creando una forma o movimiento determinado. Para los bailarines , la importancia de tener un cuerpo largo, delgado y magro está por encima de todo lo demás. Muchas mujeres jóvenes sueñan con bailar en pareja y para ello, la bailarina debe tener suficiente fuerza para ayudar al intérprete masculino a levantarla, a girar con ella, y llevarla a través del escenario. Los jóvenes bailarines temen no tener la oportunidad de experimentar esto, y hacen todo lo posible para que esto ocurra.

Recientemente se han producido espectáculos de danzas más modernas que celebran la obesidad, y demostrando que más grande es más hermoso (por supuesto que no se trata de ballet académico) Claro que celebrar una vida tan poco saludable no es ético ni digno desde mi punto de vista. Pero estos valientes bailarines todavía pueden romper algunas de las muchas reglas de la danza y estar en una clase de ballet sin ser detenidos por la obesidad, lo cual resulta ponderable en principio. El objetivo será encaminarlos hacia una vida más sana donde el ballet resulte un firme aliciente para mejorar su estilo de vida.

Cuerpo Balanchine: características generales

  • Arcos y empeines altos
  • Piernas hiper extendidas largas y finas
  • Torso corto
  • Caderas estrechas
  • Cuello largo
  • Cabeza pequeña
  • Escaso pecho
  • Flexibilidad y en dehors
  • Promedio (chicas) : 1, 63 m altura / 47 kg peso (máx)

General

Mente y genes de un bailarín

Los bailarines también entrenan mentalmente
Hace unos años, un equipo de investigadores de la University College London (UCL), en Reino Unido, descubrió que en nuestro cerebro existe un “sistema espejo” que responde de forma diferente cuando vemos a un bailarín hacer una pirueta según estemos entrenados o no para ejecutar ese movimiento. Las neuronas que lo forman están “afinadas” para el repertorio de movimientos propio de cada individuo. Una de las principales conclusiones del hallazgo, según sus autores, es que atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física.

Inteligencia relacionada con el movimiento corporal
Junto a la inteligencia lingüística, la musical, la lógica/matemática, la espacial, la intrapersonal, la interpersonal o la espiritual existe una inteligencia corporal o cinestésica, que puede definirse como la habilidad para controlar los propios movimientos corporales y manipular objetos con cierta maña. Este tipo de inteligencia, según Howard Gardner, es la que está detrás de la capacidad del bailarín para “ver-y-hacer”, transformando una imagen visual dinámica o ciertas órdenes sonoras en una acción física.

Los genes de la danza
Tras analizar el código genético de distintos profesionales de la danza, en la Universidad Hebrea de Jerusalén han encontrado diferencias importantes en dos genes: el gen encargado de codificar el transportador de la serotonina, un neurotransmisor que entre otras cosas contribuye a la experiencia espiritual, y un receptor de la hormona arginina-vasopresina, que según estudios recientes modula nuestra capacidad de comunicación social. “Ambos son genes vinculados al aspecto emocional del baile” puntualiza Richard Ebstein, coautor del estudio.

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Joffrey Ballet, Victoria Jaiani y Fabrice Calmels. Foto: Herbert Migdoll
Clase de Ballet

Mantener el equilibrio: una tarea difícil y esencial

Por Maria Doval

Recuerdo que hace unos años atrás tuve una joven alumna a la cual le suponía un enorme esfuerzo mantener el equilibrio en los giros. Y esa labor, en la mayoría de las ocasiones, suponía que la alumna debía abandonar la clase por fuertes mareos que le impedían seguir adelante.

Ante estos casos de imposibilidad es importante no forzar al alumno a continuar ya que no sabemos el origen del problema, e incluso a veces ni siquiera él mismo conoce la causa. No se descarta el miedo, que es un factor que se suele manifestarse habitualmente (miedo a caerse, golpearse o lesionarse), pero ante el vacío de no contar con un diagnóstico preciso y si los mareos invalidantes se presentan con frecuencia, es necesario derivar al alumno a la consulta médica para descartar posibles problemas orgánicos.

Ahora bien, mantener y “sostener” el equilibrio en la danza es una tarea tan difícil como necesaria, y es preciso conocer y transmitir a nuestros alumnos las herramientas para perfeccionarlo, como así también advertir que si no se consigue un resultado aceptable, la continuidad en la danza puede anularse completamente ante la inviabilidad de no alcanzar unos mínimos objetivos si el problema responde a una causa no apta de ser mejorada (En este sentido, es necesario admitir la importancia que tiene la estimulación del equilibrio desde temprana edad para el desarrollo global del alumno)

Tampoco se trata de desmoralizar al sujeto ante las primeros intentos fallidos, ya que todos sabemos que el equilibrio en la danza se aprende y se mejora con el hábito y la edad del estudiante, conociendo los criterios técnicos de cada práctica, dependiendo del tono y desarrollo muscular, empleando adecuadamente los procedimientos para operar cambios en los ejes y alineación corporales, y de igual manera, asumiendo el riesgo de una caída.

Asimismo, la fascinación que despierta el placer del giro es una ventaja añadida a la importancia técnica y anima al reto, ya que, la práctica frecuente es útil para perder el miedo, superar el mareo y ganar en seguridad y confianza.

Pero en la vida no todo es girar, también se requiere equilibrio para múltiples combinaciones de movimientos, para controlar posiciones en reposo, para el trabajo de puntas o bien, para sostener posturas con diferentes grados de dificultad, alturas y direcciones sin perder la estabilidad ni la compostura. Mantener el equilibrio no implica meterse en un brete, sino que es una necesidad y exigencia de la cual debemos experimentar el gozo y provecho de saber aplicarlo conforme a la acción. Conseguir estabilidad a cualquier precio no es el objetivo, es decir, debemos ser implacables ante las distintas argucias que emplean las alumnas principiantes para resistir y sostener posiciones que la mayoría de las veces no son académicamente correctas. Y efectivamente, animar a los estudiantes a apreciar su importancia y promover la práctica mediante los diferentes métodos de los que disponemos, ya que, el correcto balance se ejercita, se estimula y se adquiere – en mayor o en menor proporción –  con la costumbre y el ejercicio, siempre que contemos con unas condiciones físicas y psicológicas saludables.

Clase de Ballet

La música y los niños

Sabemos que la música cuenta con muchas propiedades y beneficios, además de ser una terapia realmente buena contra la ansiedad y el estrés. Pero, ¿conoces cuáles son los beneficios y las virtudes de la música en los niños?

Desde hace ya algunas décadas se sabe que la música es capaz de transmitir muchos beneficios a las personas que la escuchan, sobretodo si se sienten identificados o cómodos con ella.

No en vano, la música se ha demostrado un elemento prácticamente fundamental e importante en la primera etapa del desarrollo de nuestros hijos, por lo que representa para su desarrollo auditivo, intelectual, del habla, motriz y sensorial.

La música le permite la posibilidad de expresarse de otra forma con los demás, siendo capaz de integrarse más y mejor en la sociedad donde se desenvuelve, ya que ésta le ayuda a conseguir una mayor autonomía, una mayor seguridad en las relaciones y a ampliarlo, entre otras cuestiones.

Además, según se ha podido demostrar, la música les brinda una mayor confianza, una mayor seguridad en sí mismos, y esto es posible gracias a que con ella se sienten comprendidos al compartirla con sus amigos, con los demás.

De modo que escuchar música no solo sirve para educar “el oído”, sino que hay muchos otros beneficios:

  • Perfecciona el lenguaje. Aprender canciones ayuda al niño a ampliar su vocabulario y a pronunciar mejor.
  • Favorece la memoria auditiva. Escuchar música potencia el área del cerebro dedicada a la memoria auditiva.
  • Fomenta la creatividad. Aprender bailes y canciones alienta la imaginación de los niños y les anima a inventarse sus propias letras y movimientos.
  • Desarrolla la psicomotricidad gruesa. Moverse al ritmo de la música es una actividad estupenda para aprender a controlar el cuerpo y hacer ejercicio.
  • Aumenta su capacidad de aprendizaje. Esto es debido a la potencialidad que tiene la música de conectar los dos hemisferios cerebrales, lo que ayuda a crear nuevas conexiones.

Además, la combinación con la danza puede reportar a vuestro aún más ventajas:

  • Le entrena para coordinar sus movimientos cada vez mejor.
  • Le demuestra que tiene un cuerpo que puede mover a voluntad.
  • Le hace más sociable. A todos los niños les gusta bailar en corro, y esto les ayuda a integrarse en el grupo.
  • Mejora su memoria. Al retener una melodía y los movimientos que la acompañan, entrena su capacidad de memorística.
  • Estimula su inteligencia. El baile es música; la música, ritmo, y el ritmo y los compases, combinaciones numéricas. Hay estudios que confirman que los niños que se aficionan a la música desde pequeñitos tienen más facilidad para aprender los números y los primeros conceptos matemáticos.
  • Desarrolla su creatividad. La música estimula el área derecha del cerebro, por lo que mejora la capacidad para realizar cualquier otra actividad artística, como la pintura.
  • Le ayuda a establecer rutinas. Los ritmos en la danza están asociados a los diferentes órdenes de ejercicios.
Clase de Ballet

Ballet Barre None

Eileen Juric encontrado una necesidad de reestructurar la forma en que se enseñaba ballet a los estudiantes jóvenes y ha desarrollado su propio estilo de enseñanza en los últimos ocho años. Su método se llama Ballet Barre None.

Eileen Juric estudió con algunos de los maestros de ballet más importantes del mundo, tanto en la Joffrey Ballet School y en la School of American Ballet y sabe mejor que nadie los protocolos del ballet tradicional. No obstante, la idea de su método es enseñar a los estudiantes cómo controlar su cuerpo por su cuenta antes de la introducción de la barra como herramienta de ejercicio.

Su enseñanza se centra en el desarrollo muscular por igual en ambos lados del cuerpo y a veces implica trabajar tumbado en el suelo. No hay contacto con la barra.

“A menudo, los niños están fascinados inicialmente por la barra”, afirma, señalando que los estudiantes más jóvenes tienden a cogerse de la barra como una muleta. Pero los efectos secundarios sobre la necesidad de la hora de clase limitada la llevó a renunciar a la barra por completo.

Pero naturalmente, Ballet Barre None no está diseñado para eliminar para siempre la barra, ya que, si un estudiante decide perseguir objetivos profesionales se debe empezar a añadir el trabajo de barra en clase. Ballet Barre None se aplica en los periodos de transición entre el inicio y la formación avanzada relacionando el ballet con otros tipos de movimientos.

Por mi parte, supongo que somos muchos los que llevamos implementando el uso exclusivo del centro de clase por diferentes motivos: por cuestiones de tiempo principalmente, y porque en  los colegios no hay barras ni tampoco existe el interés en promover la danza de manera efectiva, de modo que hay que adaptarse a trabajar sin ella; y por otro lado, desde mi punto de vista no es posible imponer un trabajo de barra a niños menores de 8 o 9 años, de modo que el Ballet Barre None no es ninguna invención extraordinaria. No obstante animo a revisar el método y a sacar ideas provechosas. El método tiene una serie de 3 DVD y una web.

El Método no aplica directamente la utilización del dispositivo de apoyo
Clase de Ballet

Leg Stretches for Ballerinas

Ballet dancers require a high degree of leg flexibility. In slow adage movements, flexible legs, along with strong abdominal muscles and hip flexors, allow the dancer to lift her leg well above 90 degrees to the front and side. For dynamic grand battements, ballet dancers need flexibility for the same reasons. Turnout, one of the defining characteristics of ballet technique, is only possible if the dancer has enough leg flexibility to continue the rotation that starts in the hip joint. Flexible calf muscles permit a dancer to land from jumps and to work on pointe safely.

Hamstrings

Stretching the hamstrings can increase the flexibility that a ballet dancer needs to lift her leg to the front and the side. Ballerinas stretch these muscles with the leg on the barre stretch. After placing her foot on the barre, she can lean over her leg to increase the stretch. Ballet dancers can also stretch these muscles by lying on the floor and bringing one leg toward her chest. To target all of the hamstring muscles, ballerinas often perform these stretches with external rotation and without.

Adductors

Flexibility in the adductors helps a ballet dancer open her legs directly to the side without losing control of her turnout. Stretches that target the adductors include the leg on the barre stretch performed facing the barre, center splits and the pied dans la main stretch — or “foot in the hand” stretch. In this last stretch, the ballet dancer grasps her right foot in her right hand, while holding onto the barre with her left hand if desired. She extends her right leg in front of her body and then moves it to the side of her body, pulling her leg as close to her shoulder as possible. She holds the stretch for several seconds before switching sides.

Calves

Flexibility in the calf muscles — the gastrocnemius and soleus in particular — is necessary for every plié a ballet dancer performs. Because ballet dancers spend so much time pointing their ankles and working on demi-pointe, these muscles have a tendency to get overused and tight. Stretching these muscles — with straight-leg and bent-knee lunges — can protect the dancer from injury and can make the landing from jumps more fluid.

Quadriceps

The quadriceps are another group of muscles that tend to get overused in ballet. These muscles are engaged any time a dancer straightens her knees. Also, many ballet dancers use these muscles incorrectly in adage movements. Instead of focusing the effort on the abdominal muscles and hip flexors, many ballet dancers try to lift their legs with their quadriceps. This unnecessary effort leads to tightness in the muscles. A ballet dancer can stretch these muscles by lying on her stomach and grasping her right foot in her right hand. Bringing the foot toward the buttocks will stretch out the quadriceps.

When to Stretch

Most of the leg stretches that ballerinas perform are static stretches. This type of stretch should only be performed after a thorough warm-up, to reduce the chance of injury. Because a dancer needs to be warmed up before performing the stretch, the ideal time to stretch is after ballet class.

By Kat Black : Kat Black is a professional writer currently completing her doctorate in musicology/ She has won several prestigious awards for her research, and has had extensive training in classical music and dance.

Salud y Cuidados

Consejos para ser una bailarina feliz

  • Intentar no ser obsesiva. Esto significa no tener conductas maniáticas en ningún campo: alimentación, ejercicios, cuerpo …. De hecho, ni te beneficia ni te aporta ningún avance, solo stress y mal humor.
  • No seas perezosa: Hay que asistir a clase todos los días de la semana que te correspondan.
  • Las amigas y el novio pueden esperar. La danza tiene el tiempo contado en la vida activa de una bailarina. Los amigos de verdad nunca se pierden y chicos hay muchos. Eso no implica que conviertas en una monja, pero establece tus prioridades.
  • Trata de mantener una buena relación con tus padres. La carrera de bailarina sería imposible sin la ayuda de nuestros papás, sobre todo cuando eres niña o adolescente.
  • Intenta no acomplejarte por tus defectos. No es fácil ya que somos sumamente perfeccionistas, pero aceptarse a si mismo hará que la gente que te rodea también lo haga.
  • Aliméntate variada y suficientemente: Para hacer clase necesitas energía, y eso te lo proporcionan los alimentos, no la adrenalina
  • No trates de mantener tu peso con dietas vegetarianas, de lo contrario tus músculos acabarán como un flan.  Aprovecha los beneficios de la carne vacuna: energía, hierro, proteínas y sensación de saciedad a largo plazo. Qué más quieres?