Indumentaria de Danza

Ballet Style ¿no encuentras lo que necesitas?

Posiblemente te esté pasando lo mismo que a mí, necesitaba camisetas para mi guardarropa pero las marcas tradicionales de indumentaria para la danza no tenían lo que yo buscaba, y además, tenía miedo de realizar compras online en sitios desconocidos o de personas anónimas que no sabes ni quienes son, ni a que se dedican.

Evidentemente comprar en un sitio de Instagram llamado ‘ballet love’ (o algo por el estilo) no inspira confianza alguna, y menos aún cuando la persona que está detrás no sube ni su foto, ni su localización, ni su profesión, ni nada.  Internet se ha convertido en un espacio donde cualquiera se hace pasar por lo que no es, y donde abundan ofertas de todo tipo sin avales. De modo, que pensé que podría llenar ese espacio que todos necesitamos con mis propios productos, ya que, todos me conocéis sobradamente, y yo por mi parte,  conozco a la perfección lo que un bailarín busca a la hora de comprar su ropa para ir a clase.

Para gustos, colores, y esta máxima la tengo muy clara. Por dicho motivo, en mi propia tienda podéis encontrar los más variados diseños, desde los más llamativos hasta los más discretos, dependiendo de tu edad, preferencias y gustos. No se si podré contentar a todos, pero es mi principal objetivo en esta nueva propuesta que os traigo. No dejéis de visitar la tienda con frecuencia para ver los nuevos diseños que van apareciendo.

¿Dónde encontrarme?

Aquí mismo, siguiendo este enlace MARIA DOVAL BALLET STORE Te recomiendo que guardes la página en la sección favoritos de tu navegador para acceder a ella cuando quieras, rápido y fácil.

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Maria Doval Ballet Store

General

Triana Botaya, desde México con amor y talento

Conversamos con Triana Botaya, bailarina solista del Ballet David Campos y profesora de la Escola de Ballet David Campos

Por Maria Doval

Triana Botaya López no solo captó inmediatamente nuestra atención por su belleza y cualidades como bailarina, sino que además, representa la realidad de muchas personas que como yo, también provenimos de la inmigración española en el exterior, y que tenemos una particular visión del mundo por nuestras experiencias familiares y personales. Proceder del extranjero tiene dos aspectos, por un lado, eres tan español al igual que los demás, pero por otro, contamos con una especial percepción de la hispanidad en un sentido amplio y universal, y posiblemente con una mayor capacidad de asimilar, incorporar y fusionar variados matices culturales desde una perspectiva más vasta y diversa, logrando consitutuir una dualidad de vinculación y pensamiento entre América y el viejo continente. Esta virtud de discernimiento – por llamarlo de alguna manera – resulta muy valiosa y estimable cuando la persona en cuestión es un artista.

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Triana Botaya. Fotografía de Marta Arjona / Danspxl

Triana Botaya es nacida en México, nieta de refugiados españoles, y comienza sus primeros pasos en la danza a una edad muy temprana, con apenas dos años. Un casual encuentro con el ballet El Lago de los Cisnes le hace pensar muy prematuramente que su futuro está en la danza clásica y es apuntada a estudiar en una escuela de técnica cubana. Más tarde, comienza formalmente su carrera en la Escuela Nacional de Danza de Bellas Artes de México, y luego es becada para terminar los últimos tres años de su carrera de bailarina en la Escuela Nacional de Ballet de la Habana donde se gradúa como bailarina con honores en el año 2011.

A continuación, audicionó para llegar junto al maestro Victor Ullate permaneciendo un año en Madrid, para finalmente entrar como aprendiz en el Ballet David Campos, de Barcelona. Pero en esta compañía, Triana asciende vertiginosamente hasta convertirse en bailarina del cuerpo de baile, e inmediatamenente logra el rango de bailarina solista. En la actualidad, continúa su labor profesional de la mano de David Campos como bailarina y profesora de la Escola de Ballet David Campos. Nos cuenta que se encuentra plenamente satisfecha junto al maestro David Campos e Irene Sabas, dado el distinguido prestigio de la dirección y la calidad coreográfica de sus representaciones.

Cabe destacar, que en su paso por la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, estuvo bajo la dirección de Ramona de Saa y ha sido alumna de otros notables maestros como Laura Domingo y Ester García en técnica clásica, Marta González, Marta Iris Fernández, Elena Cangas en repertorio, Teresita Iglesias en preparación física y Ninet Durán en el estudio de variaciones. Y por supuesto, al gran maestro Fernando Alonso como regidor de clases y ensayos.

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Triana Botaya. Fotografía de Marta Arjona / Danspxl

Asimismo, en su amplia trayectoria escénica cuenta con papeles como Clara del Cascanueces, Torera del Quijote, las Willis de Giselle, Paquita, Esclava del Corsario, y en repertorio neoclásico,  RockRequiem, Fausto y Passos i Enllaços, entre muchas otras interpretaciones.

Su mayor deseo es continuar bailando y creciendo como bailarina, y tal vez en el futuro, se perfila como coreógrafa dada su innata capacidad creativa. Pero sobre todo está muy agradecida al apoyo familiar – fundamental para las jóvenes bailarinas – y a la cálida acogida en la compañía de David Campos, donde entrena muchas horas diarias además de combinar su actividad docente en la escuela de ballet donde ejerce como profesora de cuatro cursos.

Fotografía Danspxl

En el próximo artículo hablaremos sobre su experiencia con los productos de Sansha, si eres aspirante a bailarina no pierdas la oportunidad de conocer sus opiniones y consejos. Suscríbete al blog o sígueme en Facebook o Twitter para no perderte ni un solo detalle.

Triana Botaya López
Ballet David Campos Escola de Ballet David Campos

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El ballet en Internet: ¿calidad o cantidad?

Todo apunta a que la cantidad prevalece sobre la calidad, y también es cierto que la popularidad del ballet  en Internet a en los últimos 15/20 años ha producido un incremento de público que puede acercarse desde su hogar al mundo del ballet que antes solo estaba reservado a unos pocos – al menos en España -.

Pero ¿qué calidad de contenidos tiene a disposición el principiante interesado? ¿saben éstos que espacios virtuales deben seleccionar y que es lo más adecuado para aprender? La respuesta casi siempre es ‘no’. La multiplicidad y auge de redes sociales, blogs y videos, a menudo no nos sugiere si el autor es competente o está cualificado en la materia, de modo que abunda gran variedad de personajes anónimos – que con seudónimos o eslóganes tan simplistas como ‘ballet pasión’, ‘love ballet’ (y otras cosas por el estilo)- atraen a cantidad de seguidores llevados por el desconocimiento ingenuo de no saber distinguir temáticas de calidad. Y no hay que dejar de mencionar el lado más aborrecible de ciertos ‘youtubers’ (nueva tribu de desconocidos mediáticos que despuntan en al red de manera aleatoria y sin mérito que lo acredite) que arrojan palabrotas y groserías corriendo el grave riesgo de que a todos los que estamos en esta disciplina profesionalmente se nos confunda de manera errónea y se nos incluya ‘en el mismo saco’. La mediocridad se impone notoriamente.

Por otra parte, pareciera que el nuevo público tiene un perfil que se inclina a apreciar más la habilidad acrobática sobre la calidad artística, de modo que la imagen de una jovencilla con la pierna en la oreja tiene más ‘likes’ o visitas que una étoile reconocida. Y como la mayoría del reciente público conoce más bien poquito, estos aficionados que suben contenidos sin elaboración o selección a la red pueden llegar a obtener más seguidores que el mismísimo ABT. Claro que hay que dar lugar a la promoción de estudiantes con futuro, escuelas dignas y bailarines destacados, pero nunca confundir el ballet clásico con la acrobacia circense, o hacer del ballet un género de categoría basura donde cualquiera se convierte en disertante cuando ni siquiera puede hablar con propiedad, o no respeta la formalidad del lenguaje hacia los receptores. Definitivamente esto es incompatible con la educación y la etiqueta de la danza clásica.

En fin, esta difusión descontrolada y vulgaridad de la danza en algunos medios nos sitúa en el compromiso de vernos perjudicados aquellos que intentamos mantener la calidad y conservación de los valores propios de este arte, y que muchos personajes extraños han hecho suyo sin justificación alguna. Pero también es preciso valorar el lado mas positivo de esta expansión al estar en contacto con grandes compañías, portales y revistas profesionales, noticias de actualidad, artistas de renombre: solo se trata de saber escoger sin caer en lo mezquino u ordinario, y en la soledad frente a un ordenador el nuevo público no lo tiene nada fácil. Para reflexionar.

Maria Doval

 

 

 

Clase de Ballet

Maquillaje de Competición

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Photo: Jack Devant

Cuando nos presentamos en una competición de ballet, además de exhibirnos frente al público, estamos siendo evaluados por un tribunal que está ubicado en mesas cercanas al escenario. De modo, que al diseñar el maquillaje para el evento debemos tener en cuenta que los jueces se sitúan en zonas muy próximas, y por tanto, es importante evitar estridencias, tonos chillones y cualquier efecto recargado.

Lo ideal es que el concursante tenga un aspecto fresco y juvenil, ya que no está integrado en un conjunto de bailarines profesionales, ni se está representando un ballet habitual. Por tanto, este maquillaje debe ser profesional y adecuado a la edad del participante.

El primer paso es aplicar corrector. Si bien la piel de las jóvenes es bastante tersa e hidratada, puede haber granitos, impurezas o rojeces que debemos cubrir y unificar. A continuación pasar una capa de polvos ligeros con una brocha. Cuidado con utilizar maquillaje que pueda manchar el tutú!

El colorete no debe ser muy acentuado para evitar el efecto muñeca pepona. Es suficiente aplicar en los pómulos un colorete pálido. Puedes corregir o difuminar con polvos.

Sobre los párpados debemos poner algún tono neutral y con poco brillo. Los brillos pueden perjudicar el rostro en vídeo o fotografía, y bajo el efecto de la iluminación. Si es necesario podemos rellenar las cejas con sombra de color marrón y aplicar algo de gel o laca para que permanezcan bien peinadas. Luego colocar una sombra más oscura dentro de la misma gama sobre la línea de las pestañas superiores y fundir muy bien con el tono base. Cuanto más clara es la tez, más delicado deberá ser el color.

Aplicar máscara de pestañas, y si fuera oportuno, colocar pestañas postizas (no muy exageradas)

Y por último, delinear los labios con un lápiz rosa y finalizar rellenando con un tono rosa claro.

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Salud y Cuidados

Balanchine Body

George Balanchine (1904-1983), renombrado coreógrafo del ballet americano, adoptó la denominación “Balanchine Body” para hacer referencia al tipo de bailarines que él perseguía. Las personas con este tipo de cuerpo son literalmente muy delgadas. El razonamiento creativo detrás de estos términos implica que todos sus ejecutantes tengan el mismo aspecto para que sus cuerpos se ocupen de ejecutar los movimientos de manera muy similar. Estos cuerpos magros y largos también permitieron a Balanchine atenuar las líneas de los bailarines desde los pies hasta los brazos, y la delgadez de sus extremidades hizo que estas líneas no fueran interrumpidas por ninguna curva. Estas estilizadas líneas, según Balanchine, una bailarina gruesa nunca las podría lograr.

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Este tipo de cuerpo pronto fue deseado por muchas otras compañías de ballet de todo el mundo. Los bailarines que deseaban tener una carrera profesional necesitaban lograr este tipo de cuerpo para conseguir trabajo. De modo que esta tendencia hizo que muchos maestros empujaran a sus alumnos a estas normas.

En este sentido, los profesores de ballet tienen un gran impacto en la autoestima de sus alumnos. Los estudiantes admiran a sus maestros, y toman todo lo que sale de sus bocas como verdadero (por lo menos a una edad temprana). Si un profesor de ballet dice: “para ser un mejor bailarín se debe ser delgado”, a continuación, los estudiantes lo asumirán como un dogma (al menos aquellos con intereses profesionales) Y hay que admitir que a menudo los profesores de ballet son conocidos por burlarse de los estudiantes con peso, comparar a los estudiantes entre sí, y ejercer claros favoritismos.

Por supuesto que, como en cualquier relación humana, la relación maestro-alumno no será igual en todos los casos, pero a menudo el buen modo y la pedagogía brillan por su ausencia, y en lugar de aconsejar a un alumno en privado se hace de manera grosera y ofensiva.

Un alumno jamás debe ser tratado en condiciones de inferioridad, ya que, como joven está en todo su derecho de aprender, y quien sabe, en un futuro pueda enseñarnos muchas cosas. Y es cierto que también, hay jóvenes con ligero sobrepeso que tienen una gran capacidad de trabajo, los cuales deben ser guiados a perfeccionar sus líneas de la manera más apta y saludable. Por tanto, se hace muy necesario ajustar las actitudes con respecto al peso en el estudio del ballet, lo cual no implica tener que aceptar la obesidad o el sobrepeso, si no encausar el problema con respeto y tolerancia para lograr que los alumnos alcancen sus objetivos satisfactoriamente sin caer en humillaciones o descalificaciones que pueden conducir (en el peor de los casos) a serios trastornos de la alimentación.

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El mundo de la danza se centra en el movimiento del cuerpo humano, pero no todos los cuerpos han sido representados en las salas de concierto. La estética y la belleza se imponen de manera irrebatible. Desde hace más de cien años, los maestros y coreógrafos han combatido la obesidad de tal forma que un estudiante con sobrepeso se siente absolutamente excluido. Los jóvenes que sufren de obesidad pueden querer bailar, pero están desalentados por el clima social y el estigma que la comunidad de la danza mantiene contra la obesidad. También, la gente con sobrepeso piensa que no tiene lugar en una clase de ballet, aunque no persigan objetivos laborales.

La danza es un arte de control completo. Un bailarín debe tener conocimiento de todos los músculos de su cuerpo y debe utilizar este conocimiento para controlar cada músculo creando una forma o movimiento determinado. Para los bailarines , la importancia de tener un cuerpo largo, delgado y magro está por encima de todo lo demás. Muchas mujeres jóvenes sueñan con bailar en pareja y para ello, la bailarina debe tener suficiente fuerza para ayudar al intérprete masculino a levantarla, a girar con ella, y llevarla a través del escenario. Los jóvenes bailarines temen no tener la oportunidad de experimentar esto, y hacen todo lo posible para que esto ocurra.

Recientemente se han producido espectáculos de danzas más modernas que celebran la obesidad, y demostrando que más grande es más hermoso (por supuesto que no se trata de ballet académico) Claro que celebrar una vida tan poco saludable no es ético ni digno desde mi punto de vista. Pero estos valientes bailarines todavía pueden romper algunas de las muchas reglas de la danza y estar en una clase de ballet sin ser detenidos por la obesidad, lo cual resulta ponderable en principio. El objetivo será encaminarlos hacia una vida más sana donde el ballet resulte un firme aliciente para mejorar su estilo de vida.

Cuerpo Balanchine: características generales

  • Arcos y empeines altos
  • Piernas hiper extendidas largas y finas
  • Torso corto
  • Caderas estrechas
  • Cuello largo
  • Cabeza pequeña
  • Escaso pecho
  • Flexibilidad y en dehors
  • Promedio (chicas) : 1, 63 m altura / 47 kg peso (máx)

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Pavlova y “La Muerte del Cisne”

La prima ballerina Anna Pavlova era toda pasión por la danza, tanto es así que en cierta ocasión un acaudalado aristócrata ruso le propuso matrimonio siempre… y cuando aceptara dejar el ballet. Como era de esperar en un amor que pone condiciones ganó el ballet, pero también es cierto que uno de sus números más recordados está relacionado con este pretendiente.

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Anna Pavlova fotografiada con su traje de cisne

En una visita que Pavlova hizo a la casa de campo de este potentado pudo observar la agónica muerte de un cisne herido en uno de los estanques de la propiedad. El impacto que le produjo la visión de la muerte de tan bella ave fue sumamente intenso, tanto que se puso en contacto con el extraordinario coreógrafo y bailarín Michel Fokine expresándole lo mucho que deseaba poder reproducir aquel instante a través del baile. Era por ellos conocida la pieza “El cisne” perteneciente a “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns, un corto pero bellísimo tema que iba como anillo al dedo a los sentimientos que deseaban volcar en el nuevo ballet, y así, con estas influencias además de un poema de Alfred Tennyson, nació la coreografía de “La muerte del cisne” que usaba como base la pieza de Saint-Saëns. Fokine hizo un trabajo soberbio que cambiaría el mundo de la danza para siempre introduciendo en él las miniaturas como esta que brillaban con luz propia, al margen de los grandes ballets. Tras el estreno, Anna Pavlova exclamó:

“Tenía la impresión, mientras bailaba, de que también yo estaba agonizando”

Esta coreografía, de pocos minutos de duración ha sido ejecutada por todas las grandes bailarinas, especialmente Galina Ulanova, Alicia Markova, Yvette Chauviré, Alicia Alonso, Margot Fonteyn, Natalia Makarova y Maia Plisetskaya que con unos majestuosos y delicados movimientos de brazos hizo suya la pieza.

Fuente: Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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Cuello de Cisne

El cuello es una de las zonas más delicadas del cuerpo y fiel reflejo del paso de los años. Si quieres mantenerlo terso y suave no lo descuides. Toma nota de estos consejos y lucirás un cuello alargado y como el de un cisne.

– Protege tu cuello del sol. Aplícate cremas, hidratantes o maquillaje con protección solar aunque no vayas a la playa. Los rayos solares envejecen tu cuello y fomentan la aparición de manchas.

– Para uso diario, puedes utilizar los mismos productos que uses para el rostro: exfoliantes, tónicos e hidratantes.

– Periódicamente, ponte una mascarilla reafirmante. Puedes elaborarla una tú misma. Sólo tienes que triturar un puñado de perejil fresco, mézclalo una cucharada de yogur natural y una cucharadita de leche de coco y añade dos gotas de aceite esencial de rosa. Aplícala sobre el cuello, déjala actuar media hora y enjuágala con agua tibia.

– Los productos deben aplicarse con movimientos suaves sin estirar la piel para evitar la aparición de arrugas y flacidez.

– Realiza unos ejercicios para fortalecer la piel y reducir tensiones musculares. Con la espalda erguida realiza lentamente giros de cabeza de izquierda a derecha, de arriba abajo y viceversa.

– La almohada es importante para que el cuello adopte una postura adecuada.

– En la ducha date al final un chorro de agua fría sobre el cuello para tensar y endurecer la zona.

– Para un efecto tensor inmediato pásate por el cuello un cubito de hielo.

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Asimismo, la cirugía estética es uno de los mejores aliados para sacar más partido a nuestra imagen, sus técnicas cada vez más desarrolladas logran satisfacer a muchos hombres y mujeres que están descontentos con alguna parte de su cuerpo o cara. Las intervenciones de cirugía se realizan cada vez con más frecuencia. España cuenta con casi 400.000 intervenciones practicadas.

El cuello de las mujeres, como otras zonas delicadas, delata la edad o el mal cuidado. La técnica del lifting cervical permite la restauración de los tejidos, corrigiendo la flacidez del cuello, además del óvalo de la mandíbula. Esta técnica, consiste en realizar unas incisiones detrás de las orejas, se retiran los tejidos sobrantes. Tan sólo tiene una duración de unas dos horas y 30 días de recuperación Los resultados son excelentes, el contorno de la cara y el cuello recuperan su juventud y frescura.

Clase de Ballet

Conditioning Exercises for Ballet Dancers

When training as a ballet dancer, many hours are spent in the studio working on set exercises or choreography. While ballet training may offer a type of fitness regime, in the December 2005 issue of “Dance Magazine,” Linda Hamilton, a former New York City Ballet dancer, advises that dancers get out of the studio to try other types of conditioning or cross-training exercises to complement their dance training and to help prevent injuries.

Cardio

Ballet classes offers little in the way of cardiovascular endurance training, yet dancing can become difficult if you are lacking in this area. Doing 30 minutes of low-impact cardio training, two to three days per week, will vastly improve your lung capacity, as well as your overall cardiovascular health. Avoid running on hard surfaces since the impact can be taxing on the joints, resulting in an injury or general wear and tear. Swimming, walking or using a stationary bike are all low-impact options.

Core Work

Ballet requires strong core muscles, not only to help execute the steps but also to protect the lower back. Weak abdominal muscles can lead to low back vulnerabilities. Although sit-up or crunches are popular ab exercises, they can put stress on the neck or back. One alternative to a sit-up is the plank. Hold yourself in a push-up position for 30 to 90 seconds. Make sure your back is straight and ab muscles are contracted.

Another core-strengthening exercise is the quadruped. Start on your hands and knees. Slowly raise the right leg behind and your left arm in front so the raised arm and leg are parallel to the floor. Hold this position for a couple of seconds then return back arm and leg to the ground. Repeat with the left leg and right arm. Repeat the cycle 10 to 15 times.

Participating in yoga or Pilates classes can also offer core-strengthening exercises.

Arms and Upper Back

Ballet dancers spend hours strengthening their legs and feet, yet few exercises work to strengthen the arms and upper back. When doing exercises targeting the arms, ballet dancers need to be careful not to add too much bulky muscle to their upper bodies; lifting weights may not be the best option. Push-ups use your own body weight and can be modified by resting your knees on the ground for a less-intense workout.

Elastic Resistance Training

Resistance training with elastic fitness bands or tubing can help to strengthen, tone and relieve chronic pain. An elastic band can be used in place of weights for exercises, such as bicep curls and shoulder presses. It can also be used to add difficultly and resistance to exercises, such as squats.

It is also important for ballet dancers to keep their feet strong, thereby preventing injury, pain and cramps. Wrap an elastic band around the toes or ball of the foot. Slowly point and flex the foot, using the band as resistance. Repeat 15 to 20 times, and then switch feet. This will help to build the muscles in the foot, as well as strengthen the ankle joint.

Stretching

Stretching lengthens and loosens muscles, allowing a ballet dancer to perform graceful dance movements without injuring herself. Tight muscles lead to poor body mechanics during movements and increase the risk of joint and soft tissue injuries. The goal of stretching is to gradually increase flexibility by extending the muscle only as far as it can go without pain and holding the stretch until the muscle relaxes. Always warm up before stretching to prevent muscle strain.

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Leg Stretches for Ballerinas

Ballet dancers require a high degree of leg flexibility. In slow adage movements, flexible legs, along with strong abdominal muscles and hip flexors, allow the dancer to lift her leg well above 90 degrees to the front and side. For dynamic grand battements, ballet dancers need flexibility for the same reasons. Turnout, one of the defining characteristics of ballet technique, is only possible if the dancer has enough leg flexibility to continue the rotation that starts in the hip joint. Flexible calf muscles permit a dancer to land from jumps and to work on pointe safely.

Hamstrings

Stretching the hamstrings can increase the flexibility that a ballet dancer needs to lift her leg to the front and the side. Ballerinas stretch these muscles with the leg on the barre stretch. After placing her foot on the barre, she can lean over her leg to increase the stretch. Ballet dancers can also stretch these muscles by lying on the floor and bringing one leg toward her chest. To target all of the hamstring muscles, ballerinas often perform these stretches with external rotation and without.

Adductors

Flexibility in the adductors helps a ballet dancer open her legs directly to the side without losing control of her turnout. Stretches that target the adductors include the leg on the barre stretch performed facing the barre, center splits and the pied dans la main stretch — or “foot in the hand” stretch. In this last stretch, the ballet dancer grasps her right foot in her right hand, while holding onto the barre with her left hand if desired. She extends her right leg in front of her body and then moves it to the side of her body, pulling her leg as close to her shoulder as possible. She holds the stretch for several seconds before switching sides.

Calves

Flexibility in the calf muscles — the gastrocnemius and soleus in particular — is necessary for every plié a ballet dancer performs. Because ballet dancers spend so much time pointing their ankles and working on demi-pointe, these muscles have a tendency to get overused and tight. Stretching these muscles — with straight-leg and bent-knee lunges — can protect the dancer from injury and can make the landing from jumps more fluid.

Quadriceps

The quadriceps are another group of muscles that tend to get overused in ballet. These muscles are engaged any time a dancer straightens her knees. Also, many ballet dancers use these muscles incorrectly in adage movements. Instead of focusing the effort on the abdominal muscles and hip flexors, many ballet dancers try to lift their legs with their quadriceps. This unnecessary effort leads to tightness in the muscles. A ballet dancer can stretch these muscles by lying on her stomach and grasping her right foot in her right hand. Bringing the foot toward the buttocks will stretch out the quadriceps.

When to Stretch

Most of the leg stretches that ballerinas perform are static stretches. This type of stretch should only be performed after a thorough warm-up, to reduce the chance of injury. Because a dancer needs to be warmed up before performing the stretch, the ideal time to stretch is after ballet class.

By Kat Black : Kat Black is a professional writer currently completing her doctorate in musicology/ She has won several prestigious awards for her research, and has had extensive training in classical music and dance.