Triana Botaya, desde México con amor y talento

Conversamos con Triana Botaya, bailarina solista del Ballet David Campos y profesora de la Escola de Ballet David Campos

Por Maria Doval

Triana Botaya López no solo captó inmediatamente nuestra atención por su belleza y cualidades como bailarina, sino que además, representa la realidad de muchas personas que como yo, también provenimos de la inmigración española en el exterior, y que tenemos una particular visión del mundo por nuestras experiencias familiares y personales. Proceder del extranjero tiene dos aspectos, por un lado, eres tan español al igual que los demás, pero por otro, contamos con una especial percepción de la hispanidad en un sentido amplio y universal, y posiblemente con una mayor capacidad de asimilar, incorporar y fusionar variados matices culturales desde una perspectiva más vasta y diversa, logrando consitutuir una dualidad de vinculación y pensamiento entre América y el viejo continente. Esta virtud de discernimiento – por llamarlo de alguna manera – resulta muy valiosa y estimable cuando la persona en cuestión es un artista.

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Triana Botaya. Fotografía de Marta Arjona / Danspxl

Triana Botaya es nacida en México, nieta de refugiados españoles, y comienza sus primeros pasos en la danza a una edad muy temprana, con apenas dos años. Un casual encuentro con el ballet El Lago de los Cisnes le hace pensar muy prematuramente que su futuro está en la danza clásica y es apuntada a estudiar en una escuela de técnica cubana. Más tarde, comienza formalmente su carrera en la Escuela Nacional de Danza de Bellas Artes de México, y luego es becada para terminar los últimos tres años de su carrera de bailarina en la Escuela Nacional de Ballet de la Habana donde se gradúa como bailarina con honores en el año 2011.

A continuación, audicionó para llegar junto al maestro Victor Ullate permaneciendo un año en Madrid, para finalmente entrar como aprendiz en el Ballet David Campos, de Barcelona. Pero en esta compañía, Triana asciende vertiginosamente hasta convertirse en bailarina del cuerpo de baile, e inmediatamenente logra el rango de bailarina solista. En la actualidad, continúa su labor profesional de la mano de David Campos como bailarina y profesora de la Escola de Ballet David Campos. Nos cuenta que se encuentra plenamente satisfecha junto al maestro David Campos e Irene Sabas, dado el distinguido prestigio de la dirección y la calidad coreográfica de sus representaciones.

Cabe destacar, que en su paso por la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, estuvo bajo la dirección de Ramona de Saa y ha sido alumna de otros notables maestros como Laura Domingo y Ester García en técnica clásica, Marta González, Marta Iris Fernández, Elena Cangas en repertorio, Teresita Iglesias en preparación física y Ninet Durán en el estudio de variaciones. Y por supuesto, al gran maestro Fernando Alonso como regidor de clases y ensayos.

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Triana Botaya. Fotografía de Marta Arjona / Danspxl

Asimismo, en su amplia trayectoria escénica cuenta con papeles como Clara del Cascanueces, Torera del Quijote, las Willis de Giselle, Paquita, Esclava del Corsario, y en repertorio neoclásico,  RockRequiem, Fausto y Passos i Enllaços, entre muchas otras interpretaciones.

Su mayor deseo es continuar bailando y creciendo como bailarina, y tal vez en el futuro, se perfila como coreógrafa dada su innata capacidad creativa. Pero sobre todo está muy agradecida al apoyo familiar – fundamental para las jóvenes bailarinas – y a la cálida acogida en la compañía de David Campos, donde entrena muchas horas diarias además de combinar su actividad docente en la escuela de ballet donde ejerce como profesora de cuatro cursos.

Fotografía Danspxl

En el próximo artículo hablaremos sobre su experiencia con los productos de Sansha, si eres aspirante a bailarina no pierdas la oportunidad de conocer sus opiniones y consejos. Suscríbete al blog o sígueme en Facebook o Twitter para no perderte ni un solo detalle.

Triana Botaya López
Ballet David Campos Escola de Ballet David Campos

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El ballet en Internet: ¿calidad o cantidad?

Todo apunta a que la cantidad prevalece sobre la calidad, y también es cierto que la popularidad del ballet  en Internet a en los últimos 15/20 años ha producido un incremento de público que puede acercarse desde su hogar al mundo del ballet que antes solo estaba reservado a unos pocos – al menos en España -.

Pero ¿qué calidad de contenidos tiene a disposición el principiante interesado? ¿saben éstos que espacios virtuales deben seleccionar y que es lo más adecuado para aprender? La respuesta casi siempre es ‘no’. La multiplicidad y auge de redes sociales, blogs y videos, a menudo no nos sugiere si el autor es competente o está cualificado en la materia, de modo que abunda gran variedad de personajes anónimos – que con seudónimos o eslóganes tan simplistas como ‘ballet pasión’, ‘love ballet’ (y otras cosas por el estilo)- atraen a cantidad de seguidores llevados por el desconocimiento ingenuo de no saber distinguir temáticas de calidad. Y no hay que dejar de mencionar el lado más aborrecible de ciertos ‘youtubers’ (nueva tribu de desconocidos mediáticos que despuntan en al red de manera aleatoria y sin mérito que lo acredite) que arrojan palabrotas y groserías corriendo el grave riesgo de que a todos los que estamos en esta disciplina profesionalmente se nos confunda de manera errónea y se nos incluya ‘en el mismo saco’. La mediocridad se impone notoriamente.

Por otra parte, pareciera que el nuevo público tiene un perfil que se inclina a apreciar más la habilidad acrobática sobre la calidad artística, de modo que la imagen de una jovencilla con la pierna en la oreja tiene más ‘likes’ o visitas que una étoile reconocida. Y como la mayoría del reciente público conoce más bien poquito, estos aficionados que suben contenidos sin elaboración o selección a la red pueden llegar a obtener más seguidores que el mismísimo ABT. Claro que hay que dar lugar a la promoción de estudiantes con futuro, escuelas dignas y bailarines destacados, pero nunca confundir el ballet clásico con la acrobacia circense, o hacer del ballet un género de categoría basura donde cualquiera se convierte en disertante cuando ni siquiera puede hablar con propiedad, o no respeta la formalidad del lenguaje hacia los receptores. Definitivamente esto es incompatible con la educación y la etiqueta de la danza clásica.

En fin, esta difusión descontrolada y vulgaridad de la danza en algunos medios nos sitúa en el compromiso de vernos perjudicados aquellos que intentamos mantener la calidad y conservación de los valores propios de este arte, y que muchos personajes extraños han hecho suyo sin justificación alguna. Pero también es preciso valorar el lado mas positivo de esta expansión al estar en contacto con grandes compañías, portales y revistas profesionales, noticias de actualidad, artistas de renombre: solo se trata de saber escoger sin caer en lo mezquino u ordinario, y en la soledad frente a un ordenador el nuevo público no lo tiene nada fácil. Para reflexionar.

Maria Doval

 

 

 

Sansha Partner Oficial del Ballet Nacional Sodre

Sansha, compañía francesa de moda para la danza, colabora como partner oficial del Ballet Nacional Sodre en su visita a España

El Ballet Nacional Sodre, bajo la dirección artística del Mtro. Julio Bocca y la Mtra. Sofia Sajac visitará nuestro país el próximo mes de diciembre con una amplia agenda que comprende una extensa serie de funciones y audiciones.
En esta ocasión, el BNS representará Coppélia, en la versión coreográfica de Enrique Martínez, un ballet estrenado en Montevideo para celebrar el 80º aniversario de la compañía, repleto de comedia y teatralidad.
Del 16 al 20 de diciembre el BNS se presentará en el Gran Teatre de Liceu de Barcelona, y del 27 de diciembre al 8 de enero de 2017 en los Teatros del Canal de Madrid.

Por otra parte, la compañía convocará audiciones en Madrid el día 5 de enero de 2017 para bailarines y bailarinas para cuerpo de baile y solistas, una gran ocasión para todos aquellos aspirantes que desean forman parte de una gran compañía. El periodo de inscripciones cierra el próximo 30 de noviembre y las mismas se realizan exclusivamente a través de la web. Si estás interesado en participar sigue este enlace

audiciones BNS

Para mayor información y compra de entradas visita Gran Teatre del Liceu y Teatros del Canal. Para seguir el calendario de la compañía visita Ballet Nacional Sodre.

SANSHA BARCELONA
PATNER OFICIAL DEL BALLET NACIONAL SODRE
PLAZA/ PLAÇA TETUÁN, 19-20
08010 BARCELONA, ESPAÑA
TELF: 934 88 46 32

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1818-2018 Marius Petipa y el ballet ruso

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Marius Petipa 1818 – 1910

El ballet es un arte que ha sido desde siempre el referente de príncipes, reyes y emperadores. De hecho, algunas de las grandes compañías como el Royal Ballet de Londres, el Danish Royal Ballet, el Dutch Royal Ballet y muchas otras llevan en su nombre la impronta de su estirpe.

Si bien el ballet nació en Italia y se desarrolló en Francia, fue en el Imperio Ruso donde obtuvo su gran esplendor. Los zares no escatimaron esfuerzos para conseguir el mejor ballet del mundo. El gran ballet académico se asoció a Marius Petipa, director y maestro de ballet de los Teatros Imperiales de San Petersburgo desde 1869 hasta su muerte.

Nacido en Marsella en 1818 en una familia de bailarines y actores, Marius Petipa hizo una carrera de más de cincuenta años en Rusia , dejando a la posteridad sesenta creaciones, como La Bayadera, El Corsario, Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente, y Raymonda, entre otros, que siguen estando vigentes sobre todos los escenarios del mundo. El nombre “Petipa” se ha convertido en sinónimo de ballet clásico y su experiencia sigue siendo fundamental para el pensamiento de muchos coreógrafos y maestros contemporáneos. El nombre, de popularidad universal, sugiere que su obra conforma una especie de “núcleo común” en la cultura internacional de la danza. Sin embargo en Francia, su país natal, no hay trabajos sobre él, ni siquiera una sencilla biografía, y su labor ha sido un reconocimiento tardío dedicado exclusivamente como corrección de Rudolf Nureyev al frente del Ballet de la Ópera Nacional de París en la década de 1980.

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Emma Minchenok

Para el próximo 2018 se realizarán en Francia una serie de celebraciones y conferencias para analizar el importante papel de Petipa en la historia del ballet en general, las relaciones culturales franco-rusas, y justificar un estudio exhaustivo de su trabajo que finalmente se ha completado en perspectiva de la celebración de su bicentenario. En Burdeos tendrá lugar un simposio que se abrirá con eventos culturales que culminarán en Marsella, lugar de nacimiento de Marius Petipa.

Los organizadores tienen la intención de elaborar una evaluación científica que se organiza en torno a una serie de objetivos científicos principales:

Eje 1 Estado actual del ballet en Francia y Rusia en 1840 • Las escenas de ballet y el Gran Teatro de Burdeos • Los orígenes del ballet en Rusia y adaptación de un género occidental • Los coreógrafos franceses en el Imperio Ruso: Jean-Baptiste Lande, The Charles Picq, Charles DIDELOT, Alexis Scipio Blache, Auguste Leek, Arthur Saint-Léon, Jules Perrot … • El directorio, el teatro, la música, la coreografía, los artistas • los roles masculinos y femeninos en el género de argumento del ballet, coreografía, organización

Eje 2 Retrato de Marius Petipa. intérprete y diseñador • El Petipa, una dinastía de bailarines y actores • Petipa intérprete: su carrera y funciones a través de los testimonios de los contemporáneos • ballets: Estudio de los argumentos, la puesta en escena (decorados y vestuario) , música (compositores: Cesare Pugni, Riccardo Drigo, Piotr Ilyich Tchaikovsky, Alexander Glazunov …); el “estilo de Petipa” • Rewrites Dance (Mazilier de Perrot, Dauberval, etc.) operado por Marius Petipa

Eje 3. Institución del ballet en Rusia en el momento Petipa • El papel “oficial” del ballet en los Teatros Imperiales. La compañía de San Petersburgo y la troupe de Moscú, su lugar en la vida cultural de la sociedad rusa. Ballet en los otros teatros del imperio ruso • La enseñanza de la danza a la edad de Petipa. La escuela de ballet de San Petersburgo • Petipa en los Teatros Imperiales. Sus relaciones con los directores • intérpretes Petipa. El estado de la bailarina / bailarín en el momento Petipa

Eje 4. Radiación y  legado de Petipa en el Imperio ruso, la Unión Soviética y en el mundo • Petipa y Francia. Petipa en la Ópera de París • De Petipa para los Ballets Rusos. Ballet Petipa Soviético • El legado de Petipa en el mundo • ballets de Petipa como inspiración para los coreógrafos contemporáneos.

Info: Conference “FROM BORDEAUX TO SAINT PETERSBURG, MARIUS PETIPA (1818-1910) AND  THE « RUSSIAN » BALLET”
Bordeaux Grand Theatre оn 21-22-23 October, 2015. Call for submissions is open until 15 november, 2014

For more details, see at our Blog :http://mlada.hypotheses.org/appel-a-communications-fr

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Gran Teatro de Burdeos

Mente y genes de un bailarín

Los bailarines también entrenan mentalmente
Hace unos años, un equipo de investigadores de la University College London (UCL), en Reino Unido, descubrió que en nuestro cerebro existe un “sistema espejo” que responde de forma diferente cuando vemos a un bailarín hacer una pirueta según estemos entrenados o no para ejecutar ese movimiento. Las neuronas que lo forman están “afinadas” para el repertorio de movimientos propio de cada individuo. Una de las principales conclusiones del hallazgo, según sus autores, es que atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física.

Inteligencia relacionada con el movimiento corporal
Junto a la inteligencia lingüística, la musical, la lógica/matemática, la espacial, la intrapersonal, la interpersonal o la espiritual existe una inteligencia corporal o cinestésica, que puede definirse como la habilidad para controlar los propios movimientos corporales y manipular objetos con cierta maña. Este tipo de inteligencia, según Howard Gardner, es la que está detrás de la capacidad del bailarín para “ver-y-hacer”, transformando una imagen visual dinámica o ciertas órdenes sonoras en una acción física.

Los genes de la danza
Tras analizar el código genético de distintos profesionales de la danza, en la Universidad Hebrea de Jerusalén han encontrado diferencias importantes en dos genes: el gen encargado de codificar el transportador de la serotonina, un neurotransmisor que entre otras cosas contribuye a la experiencia espiritual, y un receptor de la hormona arginina-vasopresina, que según estudios recientes modula nuestra capacidad de comunicación social. “Ambos son genes vinculados al aspecto emocional del baile” puntualiza Richard Ebstein, coautor del estudio.

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Joffrey Ballet, Victoria Jaiani y Fabrice Calmels. Foto: Herbert Migdoll

Pavlova y “La Muerte del Cisne”

La prima ballerina Anna Pavlova era toda pasión por la danza, tanto es así que en cierta ocasión un acaudalado aristócrata ruso le propuso matrimonio siempre… y cuando aceptara dejar el ballet. Como era de esperar en un amor que pone condiciones ganó el ballet, pero también es cierto que uno de sus números más recordados está relacionado con este pretendiente.

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Anna Pavlova fotografiada con su traje de cisne

En una visita que Pavlova hizo a la casa de campo de este potentado pudo observar la agónica muerte de un cisne herido en uno de los estanques de la propiedad. El impacto que le produjo la visión de la muerte de tan bella ave fue sumamente intenso, tanto que se puso en contacto con el extraordinario coreógrafo y bailarín Michel Fokine expresándole lo mucho que deseaba poder reproducir aquel instante a través del baile. Era por ellos conocida la pieza “El cisne” perteneciente a “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns, un corto pero bellísimo tema que iba como anillo al dedo a los sentimientos que deseaban volcar en el nuevo ballet, y así, con estas influencias además de un poema de Alfred Tennyson, nació la coreografía de “La muerte del cisne” que usaba como base la pieza de Saint-Saëns. Fokine hizo un trabajo soberbio que cambiaría el mundo de la danza para siempre introduciendo en él las miniaturas como esta que brillaban con luz propia, al margen de los grandes ballets. Tras el estreno, Anna Pavlova exclamó:

“Tenía la impresión, mientras bailaba, de que también yo estaba agonizando”

Esta coreografía, de pocos minutos de duración ha sido ejecutada por todas las grandes bailarinas, especialmente Galina Ulanova, Alicia Markova, Yvette Chauviré, Alicia Alonso, Margot Fonteyn, Natalia Makarova y Maia Plisetskaya que con unos majestuosos y delicados movimientos de brazos hizo suya la pieza.

Fuente: Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

Los 10 mejores teatros de ópera del mundo

El libro 10 Best of Everything publicado por National Geographic en su edición de 2012 recopila los teatros de ópera más importantes del mundo del 1 al 10 respectivamente. En el libro han participado decenas de expertos y se ha ampliado con nuevo material y aportaciones de autores de la jet-set. Asimismo, para la puesta al día del top 10 se han hecho todas las revisiones necesarias. Estos son los diez Teatros de Ópera más sobresalientes:

  1. Teatro alla Scala, Milán, Italia
  2. Teatro di San Carlo, Nápoles, Italia
  3. Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina
  4. Royal Opera House, Londres, Inglaterra
  5. Bolshoi, Moscú, Rusia
  6. Sydney Opera House, Sydney, Australia
  7. Paris Opéra, París, Francia
  8. Ópera Real, Teatro de la Corte de Versalles, Francia
  9. Vienna Staatsoper, Viena, Austria
  10. Lincoln Center, Nueva York, Nueva York
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Royal Opera House

Isabel Fidalgo rechaza implantar educación artística en Taboada

Por Maria Doval

Isabel Fidalgo Albor, ha rechazado e ignorado la petición de los padres que solicitaron la asignatura de Ballet Clásico en el Concello de Taboada. El coste de la actividad iba a estar financiado por los propios padres de los alumnos, y solo se pedía la autorización del uso de un aula para los niños.

La crisis actual de nuestro país no se reduce a un desequilibrio económico, sino que está escoltada por una crisis social y de valores profunda, representada por la clase política que no es más que una emanación natural de la sociedad española en su conjunto capaz de engendrar especies inmorales y corruptas. Lo primero que vemos es la irresponsabilidad de una casta política que vive alejada y de espaldas al pueblo que debería servir y que antepone sus propios intereses a los de su comunidad. Y lo segundo, una población sumisa y desorientada – en la cual yo no me incluyo – que propicia toda clase de abusos y desaires.

Asimismo, las políticas educativas erróneas e improvisadas llevadas a cabo por las administraciones, y el deterioro económico nacional no está conduciendo al ballet hacia el camino más franco, sino que está promoviendo una apertura desordenada carente de fines artísticos y educativos a largo plazo y sin perspectivas de futuro. Los maestros estamos muy solos en cuanto a apoyo institucional se refiere, y luchar frente a la marea no se presenta como un desafío que inspire motivación. Desorganización, desprotección y devaluación de nuestra profesión no favorece el desarrollo de la actividad, no promueve la aparición de nuevas vocaciones, ni predispone voluntades para la conquista de proyectos.

Evidentemente en una país donde no hay raíces y tradición en torno al ballet, es lógico que no se atiendan suficientemente las necesidades y demandas de la disciplina. Pero de allí a ser un completo mal educado hay un largo camino.

Por citar un ejemplo muy reciente e ilustrativo, mencionaré el caso concerniente al Concello de Taboada (Lugo), cuya teniente de alcalde Isabel Fidalgo Albor, del Partido Popular de Galicia, sigue haciendo oídos sordos a las peticiones de padres y alumnos sobre la iniciativa de impartir y autofinanciar Danza Clásica como asignatura de carácter privado y particular, que solo requiere la utilización de un aula dentro de las instalaciones pertenecientes al Concello, y por tanto a los propios vecinos.

A pesar de la imagen poco respetable que se han ganado los políticos en los últimos tiempos, pareciera ser que a Isabel Fidalgo poco le importa. Es más importante organizar la fiesta del caldo de pollo o el caldo de oso, que promover la educación o una actividad productiva. O bien, repartir cajas con alimentos para hacer demagogia, que tener la oportunidad de brindar formación a coste cero para el Concello.

Y eso no es todo, Isabel Fidalgo ha tenido la vulgar osadía de dejarme literalmente “plantada” en dos ocasiones cuando me dirigía al Concello para concertar los horarios del aula de ballet después de haber sido citada. Ni siquiera se ha disculpado conmigo en ninguna de las ocasiones. Ni tampoco con los padres de las niñas que se preguntan que está pasando y porque las clases no empiezan. Llevamos casi todo este curso esperando el derecho a tener una sala, y en este momento el ciclo lectivo ya ha concluido.

Pero teniendo en cuenta que el PP cuenta con el apoyo de la tercera edad y la población agricultora – que es mayoría en el Concello – , y de que los pobres viejos y labriegos ni se dan por enterados de lo que hacen los políticos, Isabel Fidalgo sabe muy bien en que cosas debe poner atención y en cuales no. Evidentemente las clases de ballet y las necesidades de los niños no aportan los votos de una población rústica y envejecida.

Ahora bien, no me extrañaría que esta mujer venga a pedir el voto a la puerta de mi domicilio como lo hizo en las últimas elecciones. Yo espero no tener tan ingrata visita nuevamente, ya que no necesito recomendaciones de ninguna índole, y menos por parte del PP en mi propia casa.

Por otra parte, el alcalde Ramiro Moure, no se da por enterado de lo que pasa, o prefiere mirar hacia otro lado. Cuando me presenté ante él en días pasados no le dio trascendencia a la falta de deferencia de Fidalgo, sino que dejó entender que es un hombre sin carácter y determinación para ocupar su puesto, o al menos es la impresión que me suscitó muy claramente.

En definitiva, un político que no asiste a su lugar de trabajo, que hay que ir a buscarlo a su casa en hora de servicio, y que desprecia las funciones de un profesor dejándolo tirado en una entrevista sin avisar previamente, o al menos disculparse, debe renunciar a su cargo. Y un alcalde que consiente ese tipo de conductas tampoco está capacitado para ejercer su puesto. Pero la moral no es la virtud que abunda entre los grupos políticos, ni siquiera en los simples concellos de pueblo.

Por tanto, aquellos que aún tenemos un poco de sentido común debemos ser inflexibles ante esta clase de sujetos tan burdos, y pensar muy bien antes de poner el voto. Y pensar muy bien si merece la pena perder un solo minuto de tiempo con estos elementos.

Y he de decir que las opiniones políticas acostumbro a mantenerlas en mi ámbito más privado, pero cuando la política malogra el bien de la danza soy capaz de perder toda consideración. Porque el desprecio y la falta de estilo de Isabel Fidalgo no lo asumo como algo personal, sino como una subestimación a mi profesión, a los padres y alumnos demandantes, y a la danza en si misma. Y si bien para mí esta circunstancia no es más que otra anécdota en mi camino, para algunos implicará tener que llegar hasta Lugo capital para recibir formación en danza – siendo una acción totalmente innecesaria -, y para otros, desperdiciar posiblemente la única ocasión de tener un profesional de la danza al alcance de su mano.

Condado de Riverside, CA, 7 de octubre de 2013: ACLARACIÓN

Debo aclarar que el pretexto que está utilizando actualmente la Sra. Isabel sobre un rápido procedimiento por escrito para la obtención de un aula, se contradice con las citas que se me han otorgado. De haber existido ese procedimiento, o de habernos informado del mismo, hubiéramos ahorrado mucho tiempo y evitado las actuales disputas. Dejar  tirado a un profesor sin previo aviso, u ocultar la existencia de dicho procedimiento a los interesados por el ballet, es un rechazo en toda regla.

Por otra parte, he sido amenazada a través de un mensaje privado a mi Facebook por la señora Fidalgo, por lo cual guardo cuidadosamente en mis archivos las calumnias que ha dicho sobre mí sin prueba alguna, tales como que deseo impedir el desarrollo de las actividades, o bien que mi interés es concentrar todo en una sola actividad.

Asimismo me acusa de interés económico, como si yo debiera trabajar gratuitamente para complacerla, o bien compartir con ella mis beneficios. En todo caso resulta absolutamente aberrante pretender que una persona trabaje gratis y sin cotizar en la seguridad social. Acaso ella no tiene intereses económicos y electorales? Se nos pide a los españoles trabajar a cambio de nada? Era lo que nos faltaba oír.

El presente artículo fue publicado el 21 de julio. La señora Isa Fidalgo recién en octubre entró en la cuenta del mismo, por lo que se deduce que nuestros dirigentes están muy poco habituados a las medios de comunicación y las nuevas tecnologías.

Por otra parte, agradezco al periódico El Progreso el inmediato interés que ha tenido en la noticia.

Romper el silencio sobre la Intimidación en las Artes

El primer estudio sobre el acoso laboral en las artes reveló que en los cines del Reino Unido y centros de arte, dos de cada cinco trabajadores habían sido objeto de malos tratos e intimidación. “Romper el silencio sobre la Intimidación en las Artes” es una invitación a las personas en todos los roles de trabajo en las artes para discutir el tema de acoso laboral. Una iniciativa que se lleva a cabo en Reino Unido y de la que deberíamos tomar buena nota.

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Para muchas personas que trabajan en las artes escénicas, la intimidación es un hecho de la vida. Los rumores acerca de que son reales es constante. Afortunadamente, la audiencia-bullying es bastante inusual (los espectadores tienden a no volver), pero para muchos que trabajan en el teatro no hay manera de salir.

Anne-Marie Quigg  (Autor de “La intimidación en las Artes”, Gower, 2011) después de haber trabajado en el sector cultural en una variedad de roles, se interesó por la forma en que algunas personas, especialmente los directores o gerentes, se comportaron hacia sus colegas. El informe reveló que la intimidación era más común en las artes que el ejército, los servicios de salud y la educación superior.

Las presiones afectan a artistas de todos los niveles. Según parece, existe un gran problema con la intimidación en la industria cultural, y una gran parte de eso es no ver cuando sucede.  No sólo se tolera, sino que a veces parece que  anima, recompensa, e incluso hay un cierto placer perverso en ella.  Utilizamos palabras como “drama”, “proceso creativo”, “diva”, “integridad artística”, “romper las reglas”, “toma de riesgos”, cuando muchas veces de lo que realmente estamos hablando es de la gente que no sabe comportarse.  Se han observado conductas y formas de comportamiento que en otras industrias y lugares de trabajo se consideraría totalmente inaceptable. ¿Por qué en las artes se permite esto?  ¿Tenemos miedo de que toda nuestra creatividad se marchite y muera si no se permite hacer berrinches y rabietas?

A principios de este mes, la Federación de Sindicatos de entretenimiento en el Reino Unido ha lanzado una campaña para luchar contra la intimidación en las industrias de medios y entretenimiento.

Hay sin duda, silencio en torno al tema. Tal vez sea porque la gente  entiende como “temperamento artístico” lo que en realidad es sólo una falta de decencia humana. Y se puede pensar que en un sector donde hay más gente que quiere trabajar que puestos de trabajo, se genera más espacio para el comportamiento explotador. Pero, cualesquiera que sean las razones, es el momento de sacar el tema a la luz pública y poner fin a la misma.

La charla se realizará de forma gratuita el 3 de Junio de 2013

Ovalhouse, 52-54 Kennington Oval, Londres, SE11 5SW

Ovalhouse 6:30-22:00 hs

Willis a la gallega: La Santa Compaña

Si existe un denominador común entre los códigos de las culturas populares celtas, éste es sin duda las creencias en lo sobrenatural y lo extraño, donde la muerte es parte de lo cotidiano y mitológico.

Resulta fascinante el paralelismo entre nuestra tradicional compañía de la muerte “La Santa Compaña” y la procesión fantasmagórica de las románticas “Willis”, historias que recogen tradiciones ancestrales de nuestros antepasados y expresados a través del arte, la literatura y convicciones folclóricas, éstas últimas, a menudo en el trasfondo del temor y hermetismo popular.

La antigua cultura celta de la península ibérica, refugiada en nuestro territorio, ha atesorado hasta nuestros días una identidad cultural en forma coincidente y simultánea con otros pueblos celtas del centro y norte de Europa, y supo guardar en los confines del antiguo mundo conocido sus más íntimas creencias, a pesar de la dominación romana y la posterior expansión cristiana. Creencias y tradiciones que son el cimiento de nuestra propia historia, más allá de toda fusión, anexión y vinculación con el resto las culturas peninsulares y extranjeras.

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La Santa Compaña es, en nuestra mitología, una procesión de ánimas que por la noche recorren errantes los caminos.

Aunque el aspecto de la Santa Compaña varía según la tradición de diferentes zonas, la más extendida es la formada por una comitiva de almas, vestidas con túnicas blancas que vagan durante la noche. Esta procesión fantasmal forma dos hileras, van envueltas en sudarios y con los pies descalzos. Cada fantasma lleva una vela encendida y su paso deja un olor a cera en el aire. Al frente de esta compañía fantasmal se encuentra un espectro mayor llamado Estadea, nuestra Myrtha particular.

La procesión va encabezada por un vivo (mortal) portando una cruz y un caldero de agua bendita seguido por las ánimas con velas encendidas, no siempre visibles, notándose su presencia por el olor a cera y el viento que se levanta a su paso.
También se cree que quien realiza esa “función” no recuerda durante el día lo ocurrido en el transcurso de la noche, únicamente se podrá reconocer a las personas penadas con este castigo por su extremada delgadez y palidez. No les permiten descansar ninguna noche, por lo que su salud se va debilitando hasta enfermar sin que nadie sepa las causas de tan misterioso mal, del mismo modo en que Albrecht también es condenado.  Los vivos serán sentenciados a vagar noche tras noche hasta que mueran u otro incauto sea sorprendido.

Evidentemente, la coincidencia con los mitos de las culturas centro europeas es extraordinaria, y aunque nuestras willis son algo más rústicas y agrestes, las tradiciones aldeanas de Galicia  siguen conservando todo lo legendario y fascinante que inspiró a aquellos románticos del XIX.

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Cuello de Cisne

El cuello es una de las zonas más delicadas del cuerpo y fiel reflejo del paso de los años. Si quieres mantenerlo terso y suave no lo descuides. Toma nota de estos consejos y lucirás un cuello alargado y como el de un cisne.

– Protege tu cuello del sol. Aplícate cremas, hidratantes o maquillaje con protección solar aunque no vayas a la playa. Los rayos solares envejecen tu cuello y fomentan la aparición de manchas.

– Para uso diario, puedes utilizar los mismos productos que uses para el rostro: exfoliantes, tónicos e hidratantes.

– Periódicamente, ponte una mascarilla reafirmante. Puedes elaborarla una tú misma. Sólo tienes que triturar un puñado de perejil fresco, mézclalo una cucharada de yogur natural y una cucharadita de leche de coco y añade dos gotas de aceite esencial de rosa. Aplícala sobre el cuello, déjala actuar media hora y enjuágala con agua tibia.

– Los productos deben aplicarse con movimientos suaves sin estirar la piel para evitar la aparición de arrugas y flacidez.

– Realiza unos ejercicios para fortalecer la piel y reducir tensiones musculares. Con la espalda erguida realiza lentamente giros de cabeza de izquierda a derecha, de arriba abajo y viceversa.

– La almohada es importante para que el cuello adopte una postura adecuada.

– En la ducha date al final un chorro de agua fría sobre el cuello para tensar y endurecer la zona.

– Para un efecto tensor inmediato pásate por el cuello un cubito de hielo.

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Asimismo, la cirugía estética es uno de los mejores aliados para sacar más partido a nuestra imagen, sus técnicas cada vez más desarrolladas logran satisfacer a muchos hombres y mujeres que están descontentos con alguna parte de su cuerpo o cara. Las intervenciones de cirugía se realizan cada vez con más frecuencia. España cuenta con casi 400.000 intervenciones practicadas.

El cuello de las mujeres, como otras zonas delicadas, delata la edad o el mal cuidado. La técnica del lifting cervical permite la restauración de los tejidos, corrigiendo la flacidez del cuello, además del óvalo de la mandíbula. Esta técnica, consiste en realizar unas incisiones detrás de las orejas, se retiran los tejidos sobrantes. Tan sólo tiene una duración de unas dos horas y 30 días de recuperación Los resultados son excelentes, el contorno de la cara y el cuello recuperan su juventud y frescura.

Como diseñar una coreografía

Por Maria Doval

No se trata de dejar volar tu imaginación y empezar a crear movimientos a la bartola. Es necesario un buen conocimiento de danza y tener bastante sentido común

La creación es el último paso y el más difícil, ya que a veces no tenemos un día creativo y la inspiración no llega. A veces llega cuando no se necesita, otras no llega, y otras llega de repente y resulta una coreografía estupenda. Pero al margen del proceso de composición, antes hay que contemplar los distintos factores que van a intervenir en la producción de la coreografía:

Espacio escénico: Debemos conocer el escenario donde vamos a implantar nuestra obra, las dimensiones, las características del suelo, el declive, las entradas y salidas y las zonas de acceso al escenario para poder movilizar a los bailarines y/o alumnos.

Luces y sonido: Asegurarse de que contamos con una iluminación que nos permita utilizar diferentes matices para crear el ambiente propicio, y de que la persona encargada de este elemento acate nuestras indicaciones. Lo mismo ocurre para el sonido: es importante hacer pruebas y dejar expuestas claramente nuestras directrices para que no ocurran malentendidos de última hora.
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Bailarines: Hay que saber cuantos individuos intervienen y el nivel de estudio que tienen, ya que no es lo mismo crear una composición para alumnos principiantes, que para jóvenes que dedican muchas horas de entrenamiento a la semana. Eso será un componente definitorio, ya que con personas poco habituadas a bailar las posibilidades de creación se reducen considerablemente.
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Presupuesto: El presupuesto va a disponer las posibilidades de vestuario y decorados. Si cuentas con un bajo presupuesto confórmate con trajes sencillos y utiliza bien la iluminación. Intenta que la coreografía denote movimiento y aprovecha el espacio utilizable. También hay ocasiones en que trabajamos en galas donde compartimos escenario con otros artistas. En ese caso, ya que no estamos solos debemos ajustarnos la flexibilidad disponible.

Público: A quien va dirigido el trabajo también es un elemento esencial a tener en cuenta para componer la coreografía. No es lo mismo hacer un ballet para niños, que para público entendido o para público vulgar. Es necesario ajustar la coreografía y la música al contexto y al público. No hay que olvidar que la danza, más allá de un arte es una forma de ganarse la vida, de modo que aunque a ti te guste crear algo alternativo, piensa que el público se puede sentir más gratificado con un típico Vals de las Flores de Tchaikovsky, que con cosas raras. Piensa siempre lo que te conviene y lo que sabes hacer bien. No arriesgues cuando no estás seguro. Haz lo que sepas que va a gustar si no deseas que nadie te contrate nunca más, o que fracases frente a padres y alumnos. Ten en cuenta que en España la danza no es popular, y es preciso ganarse al público.

También hay veces en que la empresa que te contrata solicita una composición específica. En ese caso, dedícate a cumplir con el pedido lo mejor posible, e intenta hacer sugerencias si ves que algo puede salir mejor, y pide lo que necesitas dentro de las posibilidades que te brindan.

Publicidad: Una vez que todo esté en marcha y tengas las fechas concertadas, dedícate a hacer publicidad de tu evento: carteles, e-mails, webs, anuncios en periódicos locales, hacer uso de las redes sociales, folletería y todo lo que te puedas permitir para que el evento llegue a toda la gente posible.

Consejos: Saber escuchar consejos de otros artistas es provechoso. No dejes de escuchar, estés de acuerdo o no.

Tarifas: No siempre es decisión nuestra, pero es posible en ciertos casos. Los festivales que realizan las academias de danza suelen ser gratuitos, pero piensa que en general, el público no valora lo que es gratis. A veces es mejor cobrar una pequeña cantidad en la taquilla que poner entrada libre y gratuita. El público valora más y mejor lo que paga, y con eso puedes solventar gastos de la producción.

Y no olvides que llevar composiciones clásicas a escena son un triunfo asegurado si tienes el bailarín y/o bailarina apropiados. Una bonita variación de un clásico o un paso a dos el público siempre lo agradece sea entendido o no.

Imagen: Scottish Ballet

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Niños sedentarios

Es una creencia común que, cuanto más corren y saltan los niños, mejor lo pasan. Pero no todos los pequeños son «torbellinos» que no paran, ni todos disfrutan con los juegos que requieren ejercicio físico. Algunos niños los rechazan porque se sienten torpes, inseguros, porque no han tenido suficientes experiencias motrices… Se sienten más a gusto realizando actividades más tranquilas.

Percibimos el carácter de los niños desde que son bebés. Los hay tranquilos, que se quedan plácidamente en la cuna y, en la interacción, sonríen, miran, balbucean. Pueden pasar mucho tiempo mirándose las manitas o se entretienen observando un móvil. Otros, por el contrario, agitan las piernas y se mueven sin parar cuando los miran y, así, provocan que los cojan. Los dejan en un rincón de la cuna, y aparecen en el lado contrario.

Pero, aparte del propio carácter del niño, hay diversos factores que favorecen o dificultan el desarrollo psicomotriz. Uno de ellos es la cantidad de experiencias motrices que ofrecen los padres al bebé: si lo dejan la mayor parte del tiempo tumbado o sentado o bien permiten que pase ratos en el suelo y que tenga, así, la oportunidad de ejercitar la coordinación y el equilibrio, al experimentar cambios posturales (de sentado a tumbado, de tumbado a sentado, de rodillas a sentado o de pie…). Otro factor importante es el entorno físico del niño: si vive en un lugar más cálido o más frío; si está o no en contacto habitual con superficies que favorecen el desarrollo psicomotriz, como la arena de la playa; si pasa mucho tiempo en casa o, por el contrario, sale con frecuencia a la calle o al parque y corre por distintas superficies y pendientes, se sube a los sitios, salta… También influye si el niño gatea mucho (con el consiguiente desarrollo psicomotor, de coordinación de manos, vista y piernas) o no lo hace. O si sus padres son jóvenes o mayores, personas activas o pasivas.

Niños a los que no se les da bien el ejercicio físico

Pero algunos niños, a pesar de que acumulan mu­­chas experiencias motrices, se muestran torpes, len­­tos, descoordinados y tienen mal equilibrio, por lo que tropiezan, se caen, chocan y se golpean con frecuencia. Las razones pueden ser por: su desarrollo visual no se corresponde con el de su cuerpo, tienen tapones en los oídos y por eso caminan más inseguros y con menos equilibrio, tienen los pies planos, son más hipotónicos… O, simplemente, niños que tardan más en organizar su esquema corporal. Estos niños aprenden a permanecer quietos. Desarrollan juegos que exigen estar tranquilo (juegos de mesa, trabalenguas…). En el recreo, prefieren intercambiar cromos o canicas que jugar al fútbol, o hablar con las amigas y cantar que jugar al pilla-pilla. Pueden ser grandes lectores, grandes dibujantes. Disfrutan mucho más con actividades sedentarias y como no se sienten seguros en juegos de ejercicio físico, los evitan. Es una actitud que no tiene por qué suponer un problema, salvo en el caso de los individuos con riesgos de obesidad (que además ya estará advertido por el pediatra)

Para que un niño que evita el ejercicio físico se acostumbre a realizarlo e incluso llegue a disfrutarlo, más útil que forzarle es invitarle a participar poco a poco, sin presionar, y poner de relieve el beneficio de la compañía o de la pertenencia al grupo, puesto que partimos de que no obtiene el placer derivado del propio ejercicio.

Consecuencias del sedentarimo infantil

El sedentarismo dificulta el desarrollo óseo normal de la columna vertebral, conlleva la pérdida de fuerza y resistencia muscular, además de incrementar las enfermedades cardiovasculares y el riesgo de depresión.

Se ha comprobado que la incidencia de dolencias de columna aumenta a partir de los 10 años, por ello las campañas de prevención y promoción de ejercicio físico regular deben enfocarse a los escolares de menor edad ya que es más fácil mantener la práctica de este hábito cuando se inicia en la infancia.

Adaptación de texto de ConMisHijos.com

“Les petits rats” de la Ópera de Paris

La gracia es su estilo de vida, la perfección su obsesión. Pero antes de llegar a convertirse en la estrella soñada de la Ópera de París, la mayoría de los bailarines han sido “petits rats” (los niños años que se preparan todos los días para un destino excepcional)

En 2013, la escuela de danza de la Ópera de París celebra sus trescientos años. Tres siglos durante los cuales la escuela de danza más antigua en el mundo occidental ha construido una reputación internacional por su excelencia. Naturalmente, este nivel requiere de una enorme disciplina. Un viaje difícil, que no escatima esfuerzo físico, ni susceptibilidades. Por lo tanto, un estudiante que desea unirse al cuerpo de baile de la Ópera de París debe pasar por el camino de la escuela de danza en Nanterre y convertirse en “pequeña rata de la Ópera”, una frase que apareció mientras que los estudiantes todavía estaban tomando sus clases en el Palais Garnier y cuyas zapatillas recordaban sobre el piso de los pasillos a roedores que correteaban.

Hermosas imágenes capturadas por el fotógrafo Bertrand Desprez: