1818-2018 Marius Petipa y el ballet ruso

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Marius Petipa 1818 – 1910

El ballet es un arte que ha sido desde siempre el referente de príncipes, reyes y emperadores. De hecho, algunas de las grandes compañías como el Royal Ballet de Londres, el Danish Royal Ballet, el Dutch Royal Ballet y muchas otras llevan en su nombre la impronta de su estirpe.

Si bien el ballet nació en Italia y se desarrolló en Francia, fue en el Imperio Ruso donde obtuvo su gran esplendor. Los zares no escatimaron esfuerzos para conseguir el mejor ballet del mundo. El gran ballet académico se asoció a Marius Petipa, director y maestro de ballet de los Teatros Imperiales de San Petersburgo desde 1869 hasta su muerte.

Nacido en Marsella en 1818 en una familia de bailarines y actores, Marius Petipa hizo una carrera de más de cincuenta años en Rusia , dejando a la posteridad sesenta creaciones, como La Bayadera, El Corsario, Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente, y Raymonda, entre otros, que siguen estando vigentes sobre todos los escenarios del mundo. El nombre “Petipa” se ha convertido en sinónimo de ballet clásico y su experiencia sigue siendo fundamental para el pensamiento de muchos coreógrafos y maestros contemporáneos. El nombre, de popularidad universal, sugiere que su obra conforma una especie de “núcleo común” en la cultura internacional de la danza. Sin embargo en Francia, su país natal, no hay trabajos sobre él, ni siquiera una sencilla biografía, y su labor ha sido un reconocimiento tardío dedicado exclusivamente como corrección de Rudolf Nureyev al frente del Ballet de la Ópera Nacional de París en la década de 1980.

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Emma Minchenok

Para el próximo 2018 se realizarán en Francia una serie de celebraciones y conferencias para analizar el importante papel de Petipa en la historia del ballet en general, las relaciones culturales franco-rusas, y justificar un estudio exhaustivo de su trabajo que finalmente se ha completado en perspectiva de la celebración de su bicentenario. En Burdeos tendrá lugar un simposio que se abrirá con eventos culturales que culminarán en Marsella, lugar de nacimiento de Marius Petipa.

Los organizadores tienen la intención de elaborar una evaluación científica que se organiza en torno a una serie de objetivos científicos principales:

Eje 1 Estado actual del ballet en Francia y Rusia en 1840 • Las escenas de ballet y el Gran Teatro de Burdeos • Los orígenes del ballet en Rusia y adaptación de un género occidental • Los coreógrafos franceses en el Imperio Ruso: Jean-Baptiste Lande, The Charles Picq, Charles DIDELOT, Alexis Scipio Blache, Auguste Leek, Arthur Saint-Léon, Jules Perrot … • El directorio, el teatro, la música, la coreografía, los artistas • los roles masculinos y femeninos en el género de argumento del ballet, coreografía, organización

Eje 2 Retrato de Marius Petipa. intérprete y diseñador • El Petipa, una dinastía de bailarines y actores • Petipa intérprete: su carrera y funciones a través de los testimonios de los contemporáneos • ballets: Estudio de los argumentos, la puesta en escena (decorados y vestuario) , música (compositores: Cesare Pugni, Riccardo Drigo, Piotr Ilyich Tchaikovsky, Alexander Glazunov …); el “estilo de Petipa” • Rewrites Dance (Mazilier de Perrot, Dauberval, etc.) operado por Marius Petipa

Eje 3. Institución del ballet en Rusia en el momento Petipa • El papel “oficial” del ballet en los Teatros Imperiales. La compañía de San Petersburgo y la troupe de Moscú, su lugar en la vida cultural de la sociedad rusa. Ballet en los otros teatros del imperio ruso • La enseñanza de la danza a la edad de Petipa. La escuela de ballet de San Petersburgo • Petipa en los Teatros Imperiales. Sus relaciones con los directores • intérpretes Petipa. El estado de la bailarina / bailarín en el momento Petipa

Eje 4. Radiación y  legado de Petipa en el Imperio ruso, la Unión Soviética y en el mundo • Petipa y Francia. Petipa en la Ópera de París • De Petipa para los Ballets Rusos. Ballet Petipa Soviético • El legado de Petipa en el mundo • ballets de Petipa como inspiración para los coreógrafos contemporáneos.

Info: Conference “FROM BORDEAUX TO SAINT PETERSBURG, MARIUS PETIPA (1818-1910) AND  THE « RUSSIAN » BALLET”
Bordeaux Grand Theatre оn 21-22-23 October, 2015. Call for submissions is open until 15 november, 2014

For more details, see at our Blog :http://mlada.hypotheses.org/appel-a-communications-fr

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Gran Teatro de Burdeos

Maquillaje de Competición

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Photo: Jack Devant

Cuando nos presentamos en una competición de ballet, además de exhibirnos frente al público, estamos siendo evaluados por un tribunal que está ubicado en mesas cercanas al escenario. De modo, que al diseñar el maquillaje para el evento debemos tener en cuenta que los jueces se sitúan en zonas muy próximas, y por tanto, es importante evitar estridencias, tonos chillones y cualquier efecto recargado.

Lo ideal es que el concursante tenga un aspecto fresco y juvenil, ya que no está integrado en un conjunto de bailarines profesionales, ni se está representando un ballet habitual. Por tanto, este maquillaje debe ser profesional y adecuado a la edad del participante.

El primer paso es aplicar corrector. Si bien la piel de las jóvenes es bastante tersa e hidratada, puede haber granitos, impurezas o rojeces que debemos cubrir y unificar. A continuación pasar una capa de polvos ligeros con una brocha. Cuidado con utilizar maquillaje que pueda manchar el tutú!

El colorete no debe ser muy acentuado para evitar el efecto muñeca pepona. Es suficiente aplicar en los pómulos un colorete pálido. Puedes corregir o difuminar con polvos.

Sobre los párpados debemos poner algún tono neutral y con poco brillo. Los brillos pueden perjudicar el rostro en vídeo o fotografía, y bajo el efecto de la iluminación. Si es necesario podemos rellenar las cejas con sombra de color marrón y aplicar algo de gel o laca para que permanezcan bien peinadas. Luego colocar una sombra más oscura dentro de la misma gama sobre la línea de las pestañas superiores y fundir muy bien con el tono base. Cuanto más clara es la tez, más delicado deberá ser el color.

Aplicar máscara de pestañas, y si fuera oportuno, colocar pestañas postizas (no muy exageradas)

Y por último, delinear los labios con un lápiz rosa y finalizar rellenando con un tono rosa claro.

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Niños hiperactivos en la clase de ballet

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Si hay una actividad beneficiosa para los niños con TDAH es la práctica del ballet. Pero para tratar estos casos es necesario una intervención desde diferentes ámbitos, que incluya un tratamiento farmacológico, psicológico, y la cooperación de padres y maestros.

En este sentido, la práctica del ballet es beneficiosa en si misma, pero requiere información y competencia por parte del profesor. No debemos olvidar que la danza ejerce en muchos casos como complemento terapéutico en variados trastornos y el TDAH, Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad, es uno de los motivos por los cuales recibimos este tipo de alumnos en clase.

Cabe señalar, que a menudo son los educadores los que encienden la señal de alarma, ya que existe bastante desconocimiento sobre el tema, y en ocasiones los padres no tienen la información necesaria. También hay casos en que los padres no pueden, o no aceptan reconocer el trastorno que sufre el pequeño, o simplemente se niegan a hacer la consulta médica que exigimos, razón por la cual se hace bastante difícil actuar de manera unilateral sin la terapia psiquiátrica y la ayuda familiar necesarias. Resulta normal que muchos padres tengan miedos u otras preocupaciones debidas a falsos mitos que existen en torno al TDAH, como creer que es una forma de etiquetar a niños difíciles, o bien, que es un problema leve que desaparece con la edad. Podría afirmar que es muy frecuente advertir estas creencias en los padres, que suelen justificar la conducta de sus hijos con aquello de que “son pequeños”, sin más.

¿Qué niños pueden ser aceptados en la clase de ballet?

Aquellos que están diagnosticados y bajo tratamiento, y los pequeños cuyos padres están dispuestos a consultar con el pediatra si el profesor lo solicita. Niños que no reciben tratamiento alguno y entorpecen el desarrollo normal de las clases no pueden acceder a las mismas. Si el profesor no tiene apoyo familiar y médico, las clases de ballet no serán beneficiosas para el alumno.
Es preciso tener en cuenta que los niños con TDHA no requieren ningún tipo de clase especial ni diferenciada con respecto a otros niños. Los niños hiperactivos pueden y deben compartir sus actividades con el resto de sus compañeros bajo las intervenciones oportunas e individualizadas de su profesor que debe estar preparado para atender a estos casos. Los niños diagnosticados de TDHA no tienen porque considerarse con menor capacidad intelectual o desarrollo que otros niños de su edad.

¿Por qué son beneficiosas las clases de ballet para niños con TDHA?

Las clases de ballet son un método de terapia que encaja con certeza en lo que debería ser el tratamiento para los niños con este trastorno. Además, los niños con TDHA se inclinan por las actividades físicas.

  • El ballet es una disciplina correcta y lógicamente estructurada.
  • El ballet fomenta el autocontrol.
  • Establece rutinas y normas de trabajo y convivencia.
  • Está organizado en tareas cortas y variadas.
  • Estimula la memoria.
  • Las instrucciones del maestro suelen ser claras, cortas y precisas. La información está simplificada.
  • En las clases de ballet las rutinas están previamente pautadas, de modo que el niño sabe lo que viene primero y después, afianzando su autoconfianza.
  • Los cambios de ejercicios y el aprendizaje de nuevos pasos se realizan de forma lenta y gradual en el tiempo para evitar la ansiedad en los más pequeños.
  • Mejora la autoestima.
  • Promueve la búsqueda natural de logros y objetivos gratificantes para el niño.

 

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Ahora bien, ¿Cuándo debemos advertir que tenemos un niño con TDHA en clase?

Los casos de TDHA son muy variados, aunque existen ciertos ítems que debemos tener en cuenta:

  • Si presenta rabietas constantes.
  • Si se aísla de sus compañeros.
  • Si su conducta es desorganizada.
  • Si es impulsivo o agresivo.
  • Si no atiende instrucciones simples.
  • Si no es capaz de mantener su atención en ninguna actividad.

Jamás debemos hacer una afirmación sin estar avalados por un diagnóstico médico preciso. No obstante es fundamental conversar con los padres y expresar lo que está pasando en las clases. Un niño que es incapaz de acatar indicaciones simples como sentarse, ponerse de pie, hacer un círculo, etc, tampoco es capaz de centrar su atención en ejecutar un paso de ballet sencillo o escuchar la música. Para que la clase sea eficaz debemos tener un diagnóstico y proceder en consecuencia.

¿Cómo podemos ayudar a estos niños?

La clase de ballet será a lo largo del tiempo una terapia positiva si añadimos ciertas pericias pedagógicas. Tenemos que saber que el ballet solo, o el tratamiento farmacológico aislado de normas y pautas de actuación no servirán de nada. La cooperación e intervención debe ser conjunta en el ámbito escolar, familiar y sanitario.

Para ello, los profesores debemos seguir buscando formación que nos ayude, siempre teniendo en cuenta las limitaciones que tenemos como educadores, ya que no somos competentes en otras áreas. No obstante, nuestra porción de trabajo es fundamental para el desarrollo social y cognitivo del pequeño.

Por tanto:

  • Debemos disponer ejercicios adecuados a sus capacidades y que ellos puedan realizar con éxito.
  • Debemos mostrar confianza en sus habilidades.
  • Reconocer su esfuerzo y sus logros.
  • Escuchar a los niños y dialogar. Dedicar unos minutos de la clase a conversar con ellos para que cuenten las novedades del día. Si alguno se ha peleado con un compañero del cole o ha tenido algún conflicto puede contarlo en clase de ballet donde las bailarinas intentamos ser su grupo de apoyo. La pertenencia a un grupo y el hecho de poder ser escuchado les aporta seguridad y confianza (no solo a los niños con TDHA, si no a todos en general)
  • Alternar ejercicios más intensos con otros más relajados. No es aconsejable fomentar la excitación del grupo durante un tiempo prolongado.
  • Establecer claramente las normas de la clase y pactarlas con todos.
  • Establecer las consecuencias de la transgresión de esas normas.
  • Repetir instrucciones si es necesario.
  • Dar responsabilidades simples. Cada día podemos elegir un ayudante del profesor que repartirá los materiales o ayudará a ordenar los CDS, o cualquier tarea sencilla que consideremos oportuna.

Por último, es preciso que los padres procuren buscar información si sospechan que sus hijos pueden padecer este trastorno. Y no dejar de visitar a su pediatra.

 

 

Pies de bailarina. Como mejorar su aspecto y flexibilidad

Si un bailarín/a tiene poco empeine, no se sentirá a la altura de las circunstancias sobre el escenario. El pie además, es uno de los temas de mayor consulta que recibo ya que todos los bailarines de ballet prestan mucha atención a sus pies buscando mejorar constantemente empeines y arcos. Por desgracia, el arco y el empeine están determinados en gran parte por factores genéticos sobre los que no tenemos ningún control. Sin embargo, se puede mejorar el aspecto aumentando la fuerza, flexibilidad y estética con diferentes opciones.

  • Ejercicio: La opción más barata y de la que nunca puedes prescindir. Si tienes unos pies aptos o no, el ejercicio siempre deberá formar parte de tu rutina. Lo importante es hacer ejercicio a diario y no forzar tus pies en exceso, ya que una lesión podría dejarte fuera de la actividad y provocar serias dificultades para continuar.

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  • Dispositivos: En el mercado existen diferentes marcas, modelos y precios. En Europa y Estados Unidos se consiguen en tiendas especializadas. Si no tienes un comercio a tu alcance, en Internet hay tiendas online donde puedes adquirirlos. Estos son solo unos ejemplos.
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Dispositivo para fortalecer tobillos y pantorrilas
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  • Inyecciones de colágeno: Hay bailarines famosos que usan las inyecciones de colágeno y recurren a la cirugía para conseguir las líneas estéticas deseadas. Si crees que ésta puede ser una solución a tu alcance, consulta con un especialista.

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  • Liposucción de tobillos: Consiste en eliminar el exceso de grasa acumulada en esta zona del cuerpo, lo cual permitirá que aquellos individuos que sufran de la llamada “pierna de elefante” luzcan unas extremidades perfectas.  Tener grasa en los tobillos es una cuestión genética, por lo que la gente que quiere reducir su volumen no lo logrará sólo con dietas y ejercicios; forzosamente deberá someterse a esta operación.

 

 

Relleno de silicona para aumentar empeines

 

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Relleno de silicona para aumentar empeines

 

El perfil de un bailarín

Una hermosa imagen, capacidad de expresión e interpretación. Para ser un buen bailarín además, se necesita talento y espíritu de superación.

Para convertirse en un bailarín profesional los requisitos suelen ser bastante desmoralizadores para algunos. De hecho, el ballet es una disciplina compleja que requiere de ciertas aptitudes físicas e intelectuales que mucha gente no posee.

Por tanto podemos afirmar que el perfil de un bailarín profesional es muy diferente del perfil de los no profesionales.

En principio, el modelo antropométrico es muy particular, ya que la exigencia de la delgadez y las líneas exclusivamente estilizadas y longuilíneas se imponen. No obstante, es importante valorar el tiempo que el bailarín dedica a la actividad y su intensidad de trabajo, ya que, estos factores intervienen directamente enfatizando esas características físicas y estéticas. El ballet, conocido como una forma de arte laboriosa, necesita de mucho tiempo para la construcción del movimiento según los patrones académicos y su estudio requiere de una escala de factores en concordancia con las etapas de evolución del estudiante, sus facultades físicas y capacidades intelectuales. En definitiva, además de unas cualidades singulares, se necesita trabajo regular y constante.

Tener unas caderas muy anchas, o un elevado porcentaje de adiposidad corporal impide totalmente el avance en la disciplina, o su exclusión. Las características biológicas, la composición y dimensión corporal resultan definitorias para el movimiento, más allá de la práctica.

También resulta importante alcanzar un nivel óptimo y adecuado en los rangos de movimiento. Las limitaciones en la anatomía, fisiología y destrezas motoras en general pueden conducir al fracaso profesional.

El bailarín debe dominar su coordinación y el control de su cuerpo, poseer una gran inclinación musical y orientación espacial, y sobre todo, tener un gran desempeño artístico y la capacidad de soportar presiones frente al público, o frente a un tribunal de examen.

Asimismo, debe contar con suficiente fuerza de voluntad, afán de superación, abnegación, perfeccionismo, eficacia, autoestima, constancia, facultades de comunicación y expresión corporal, y resistencia psíquica, y ha de brindarse un estudio sostenible por medio del cual el alumno pueda desempeñar una técnica depurada en virtud de su desarrollo y edad, del mismo modo que se hace necesario en ocasiones reorganizar cambios en los modelos metodológicos que centren la enseñanza en una construcción lógica, sensata, secuencializada y oportuna del movimiento, y que el maestro se adapte a ella de forma creativa y gratificante, en la medida de lo posible.

A menudo el interés por la danza no dura más de tres o cuatro años, lo cual no resulta equiparable a los años de carrera que se necesitan para bailar. Por lo general, los estudiantes que logran cursar la carrera de bailarín serán exclusivamente los alumnos que presentan aquellas aptitudes intelectuales y físicas necesarias para mantenerse en la danza.

También se suele afirmar que el éxito en la danza se traduce en otras áreas de la vida del estudiante. Pero mi experiencia me señala que generalmente ocurre todo lo contrario: son los estudiantes de éxito los que permanecen en la danza y solo los mejores tienen la capacidad necesaria para abordar los desafíos del ballet en etapas avanzadas. Incluso los estudiantes de ballet son capaces de gestionar el trabajo escolar habitual mucho mejor que los estudiantes corrientes. Y como es natural, destaca el talento de estos individuos sobre los otros aspectos de sus vidas.

El ballet en si mismo no puede formar gente con éxito, si no que se necesita una persona de éxito para dominar el arte ballet. De modo que los resultados de los bailarines no profesionales difieren significativamente de los estudios de bailarines profesionales.

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Lucía Lacarra y Marlon Dino. El Lago de los Cisnes, Adagio

Entre los que abandonan la danza están aquellos que eligen bailar como un hobby y se sienten atraídos por la cultura de la danza, pero han dirigido su camino hacia otras metas. No obstante, valoran la actividad y siguen disfrutando con ésta aunque ya no persigan téminos profesionales.

Y luego están aquellos que guardan ciertos resentimientos por haberse sentidos excluidos de la comunidad de la danza, posiblemente por no contar con las condiciones necesarias, ya sea físicas, psicológicas o intelectuales.

También existen familias que temen que sus hijos/as deban hacer demasiado esfuerzo para llegar a ser bailarines (situación bastante más habitual de lo que se pueda suponer). Animarlos a la comodidad, al conformismo y a lo fácil no es forjar el mejor camino en ningún ámbito de la vida. Hasta ahora, existen carreras con mayor o menor grado de dificultad, pero no existe carrera profesional de ninguna índole que no requiera de esfuerzo y dedicación. El entorno social y familiar que habita cada uno también se vincula a sus motivaciones, aunque es este sentido no se puede generalizar, ya que hay bailarines destacados que provienen de círculos extraños al arte.

Por otro lado, el bailarín si bien es un ser especial, esa virtud a menudo lo aleja del resto de las comunidades artísticas o de los entornos habituales por diversos motivos: porque tal vez se siente diferente y no se identifica con los intereses corrientes, o bien, no le atrae la forma de vida que adoptan sectores ajenos a la danza. Si bien esto no debiera ser incompatible, la realidad demuestra lo contrario en muchos casos: el bailarín tiene tendencia al distanciamiento o a aislarse. Y la elección del tipo de actividad que se realiza, está asociado directamente a la personalidad del individuo.

Relacionado:

¿Qué debe tener un buen bailarín?

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Lucía Lacarra

Balanchine Body

George Balanchine (1904-1983), renombrado coreógrafo del ballet americano, adoptó la denominación “Balanchine Body” para hacer referencia al tipo de bailarines que él perseguía. Las personas con este tipo de cuerpo son literalmente muy delgadas. El razonamiento creativo detrás de estos términos implica que todos sus ejecutantes tengan el mismo aspecto para que sus cuerpos se ocupen de ejecutar los movimientos de manera muy similar. Estos cuerpos magros y largos también permitieron a Balanchine atenuar las líneas de los bailarines desde los pies hasta los brazos, y la delgadez de sus extremidades hizo que estas líneas no fueran interrumpidas por ninguna curva. Estas estilizadas líneas, según Balanchine, una bailarina gruesa nunca las podría lograr.

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Este tipo de cuerpo pronto fue deseado por muchas otras compañías de ballet de todo el mundo. Los bailarines que deseaban tener una carrera profesional necesitaban lograr este tipo de cuerpo para conseguir trabajo. De modo que esta tendencia hizo que muchos maestros empujaran a sus alumnos a estas normas.

En este sentido, los profesores de ballet tienen un gran impacto en la autoestima de sus alumnos. Los estudiantes admiran a sus maestros, y toman todo lo que sale de sus bocas como verdadero (por lo menos a una edad temprana). Si un profesor de ballet dice: “para ser un mejor bailarín se debe ser delgado”, a continuación, los estudiantes lo asumirán como un dogma (al menos aquellos con intereses profesionales) Y hay que admitir que a menudo los profesores de ballet son conocidos por burlarse de los estudiantes con peso, comparar a los estudiantes entre sí, y ejercer claros favoritismos.

Por supuesto que, como en cualquier relación humana, la relación maestro-alumno no será igual en todos los casos, pero a menudo el buen modo y la pedagogía brillan por su ausencia, y en lugar de aconsejar a un alumno en privado se hace de manera grosera y ofensiva.

Un alumno jamás debe ser tratado en condiciones de inferioridad, ya que, como joven está en todo su derecho de aprender, y quien sabe, en un futuro pueda enseñarnos muchas cosas. Y es cierto que también, hay jóvenes con ligero sobrepeso que tienen una gran capacidad de trabajo, los cuales deben ser guiados a perfeccionar sus líneas de la manera más apta y saludable. Por tanto, se hace muy necesario ajustar las actitudes con respecto al peso en el estudio del ballet, lo cual no implica tener que aceptar la obesidad o el sobrepeso, si no encausar el problema con respeto y tolerancia para lograr que los alumnos alcancen sus objetivos satisfactoriamente sin caer en humillaciones o descalificaciones que pueden conducir (en el peor de los casos) a serios trastornos de la alimentación.

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El mundo de la danza se centra en el movimiento del cuerpo humano, pero no todos los cuerpos han sido representados en las salas de concierto. La estética y la belleza se imponen de manera irrebatible. Desde hace más de cien años, los maestros y coreógrafos han combatido la obesidad de tal forma que un estudiante con sobrepeso se siente absolutamente excluido. Los jóvenes que sufren de obesidad pueden querer bailar, pero están desalentados por el clima social y el estigma que la comunidad de la danza mantiene contra la obesidad. También, la gente con sobrepeso piensa que no tiene lugar en una clase de ballet, aunque no persigan objetivos laborales.

La danza es un arte de control completo. Un bailarín debe tener conocimiento de todos los músculos de su cuerpo y debe utilizar este conocimiento para controlar cada músculo creando una forma o movimiento determinado. Para los bailarines , la importancia de tener un cuerpo largo, delgado y magro está por encima de todo lo demás. Muchas mujeres jóvenes sueñan con bailar en pareja y para ello, la bailarina debe tener suficiente fuerza para ayudar al intérprete masculino a levantarla, a girar con ella, y llevarla a través del escenario. Los jóvenes bailarines temen no tener la oportunidad de experimentar esto, y hacen todo lo posible para que esto ocurra.

Recientemente se han producido espectáculos de danzas más modernas que celebran la obesidad, y demostrando que más grande es más hermoso (por supuesto que no se trata de ballet académico) Claro que celebrar una vida tan poco saludable no es ético ni digno desde mi punto de vista. Pero estos valientes bailarines todavía pueden romper algunas de las muchas reglas de la danza y estar en una clase de ballet sin ser detenidos por la obesidad, lo cual resulta ponderable en principio. El objetivo será encaminarlos hacia una vida más sana donde el ballet resulte un firme aliciente para mejorar su estilo de vida.

Cuerpo Balanchine: características generales

  • Arcos y empeines altos
  • Piernas hiper extendidas largas y finas
  • Torso corto
  • Caderas estrechas
  • Cuello largo
  • Cabeza pequeña
  • Escaso pecho
  • Flexibilidad y en dehors
  • Promedio (chicas) : 1, 63 m altura / 47 kg peso (máx)

Mente y genes de un bailarín

Los bailarines también entrenan mentalmente
Hace unos años, un equipo de investigadores de la University College London (UCL), en Reino Unido, descubrió que en nuestro cerebro existe un “sistema espejo” que responde de forma diferente cuando vemos a un bailarín hacer una pirueta según estemos entrenados o no para ejecutar ese movimiento. Las neuronas que lo forman están “afinadas” para el repertorio de movimientos propio de cada individuo. Una de las principales conclusiones del hallazgo, según sus autores, es que atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física.

Inteligencia relacionada con el movimiento corporal
Junto a la inteligencia lingüística, la musical, la lógica/matemática, la espacial, la intrapersonal, la interpersonal o la espiritual existe una inteligencia corporal o cinestésica, que puede definirse como la habilidad para controlar los propios movimientos corporales y manipular objetos con cierta maña. Este tipo de inteligencia, según Howard Gardner, es la que está detrás de la capacidad del bailarín para “ver-y-hacer”, transformando una imagen visual dinámica o ciertas órdenes sonoras en una acción física.

Los genes de la danza
Tras analizar el código genético de distintos profesionales de la danza, en la Universidad Hebrea de Jerusalén han encontrado diferencias importantes en dos genes: el gen encargado de codificar el transportador de la serotonina, un neurotransmisor que entre otras cosas contribuye a la experiencia espiritual, y un receptor de la hormona arginina-vasopresina, que según estudios recientes modula nuestra capacidad de comunicación social. “Ambos son genes vinculados al aspecto emocional del baile” puntualiza Richard Ebstein, coautor del estudio.

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Joffrey Ballet, Victoria Jaiani y Fabrice Calmels. Foto: Herbert Migdoll

Pavlova y “La Muerte del Cisne”

La prima ballerina Anna Pavlova era toda pasión por la danza, tanto es así que en cierta ocasión un acaudalado aristócrata ruso le propuso matrimonio siempre… y cuando aceptara dejar el ballet. Como era de esperar en un amor que pone condiciones ganó el ballet, pero también es cierto que uno de sus números más recordados está relacionado con este pretendiente.

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Anna Pavlova fotografiada con su traje de cisne

En una visita que Pavlova hizo a la casa de campo de este potentado pudo observar la agónica muerte de un cisne herido en uno de los estanques de la propiedad. El impacto que le produjo la visión de la muerte de tan bella ave fue sumamente intenso, tanto que se puso en contacto con el extraordinario coreógrafo y bailarín Michel Fokine expresándole lo mucho que deseaba poder reproducir aquel instante a través del baile. Era por ellos conocida la pieza “El cisne” perteneciente a “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns, un corto pero bellísimo tema que iba como anillo al dedo a los sentimientos que deseaban volcar en el nuevo ballet, y así, con estas influencias además de un poema de Alfred Tennyson, nació la coreografía de “La muerte del cisne” que usaba como base la pieza de Saint-Saëns. Fokine hizo un trabajo soberbio que cambiaría el mundo de la danza para siempre introduciendo en él las miniaturas como esta que brillaban con luz propia, al margen de los grandes ballets. Tras el estreno, Anna Pavlova exclamó:

“Tenía la impresión, mientras bailaba, de que también yo estaba agonizando”

Esta coreografía, de pocos minutos de duración ha sido ejecutada por todas las grandes bailarinas, especialmente Galina Ulanova, Alicia Markova, Yvette Chauviré, Alicia Alonso, Margot Fonteyn, Natalia Makarova y Maia Plisetskaya que con unos majestuosos y delicados movimientos de brazos hizo suya la pieza.

Fuente: Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

Los 10 mejores teatros de ópera del mundo

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El libro 10 Best of Everything publicado por National Geographic en su edición de 2012 recopila los teatros de ópera más importantes del mundo del 1 al 10 respectivamente. En el libro han participado decenas de expertos y se ha ampliado con nuevo material y aportaciones de autores de la jet-set. Asimismo, para la puesta al día del top 10 se han hecho todas las revisiones necesarias. Estos son los diez Teatros de Ópera más sobresalientes:

  1. Teatro alla Scala, Milán, Italia
  2. Teatro di San Carlo, Nápoles, Italia
  3. Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina
  4. Royal Opera House, Londres, Inglaterra
  5. Bolshoi, Moscú, Rusia
  6. Sydney Opera House, Sydney, Australia
  7. Paris Opéra, París, Francia
  8. Ópera Real, Teatro de la Corte de Versalles, Francia
  9. Vienna Staatsoper, Viena, Austria
  10. Lincoln Center, Nueva York, Nueva York
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Royal Opera House

El miedo escénico en los niños

La Asociación Americana de Psiquiatría incluye el Miedo Escénico dentro del Manual  diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales.

Hay niños que desde muy pequeños manifiestan este trastorno, y exponerse a bailar sobre un escenario merma sus capacidades y rendimiento, generando en ellos una gran ansiedad irracional o excesiva que limita su actividad o bien, intentan evitarla.

Los padres, a menudo tienden a restarle importancia con aquello de que “son niños” o “son pequeños”, pero lamentablemente el problema existe y no habrá tendencia a mejorar si no se trata adecuadamente.

La relación de los niños con su profesor de ballet suele ser bastante estrecha y de conocimiento mutuo, de modo que el maestro no representa amenaza para el niño. Además todos los profesores implementamos los refuerzos y aprobaciones positivas para ayudarles, o corregirlos.

A menudo estos niños pueden ser buenos estudiantes, pero el problema llega cuando quedan solos frente al público. Dejan de escuchar la música, no bailan a ritmo o se apresuran demasiado, denotan torpeza, apenas se mueven y en el peor de los casos, se quedan de pie sin saber que hacer.

El miedo escénico está estrechamente relacionado con la autoestima y habría que analizar la situación que lleva al niño a experimentar ese bloqueo escénico, ya que cuando el niño tiene una inestabilidad emocional va a presentar inseguridad en las actividades que realice. En todos los casos, los papás deben brindarle a sus hijos, desde pequeños, seguridad afectiva, para que su desempeño sea óptimo. La ayuda de los progenitores es primordial.

Un niño o joven con estas características difícilmente pueda audicionar, examinar o bailar satisfactoriamente y sus objetivos estarán truncados en cualquier actividad que suponga estar frente a otras personas. Debemos ser conscientes de que el miedo escénico está calificado como una fobia social.

Retirarlo de la actividad suele ser la decisión más frecuente por parte de sus padres, pero evitando el problema no se solucionará. Los padres que tengan niños con miedo escénico no deben dejar de consultar con su pediatra o médico de cabecera para conseguir un diagnóstico preciso y remitirlos al tratamiento más favorable.

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Los niños con miedo escénico posiblemente no están recibiendo los estímulos necesarios en el entorno familiar

Escote a Punto

La piel del escote es muy fina y apenas posee colágeno, la sustancia que mantiene la piel tersa. Los grandes males de esta parte del cuerpo son adelgazar rápidamente y dormir de lado. El sol es su gran enemigo, manchas y pecas se deben a una exposición prolongada sin protección.

Escote a punto solo con tres pasos, de esta manera cuidaras al máximo esta piel que actúa como “sostén natural” y mantiene el pecho en su sitio.

1º Exfoliación. Se recomienda una vez por semana, así eliminas las células muertas, estimulas la regeneración celular y aumentas el colágeno. Al ser una zona sensible, el exfoliante úsalo facial, no corporal, es mas suave.

2º Hidratación. Se merece el mismo trato que el rostro, jabones suaves, tónicos sin alcohol y productos específicos para esta zona. Las cremas con una vez al día serán suficientes, dátelas con un masaje rotatorio en el pecho y en sentido ascendente hasta el cuello.

3º Terso y sin arrugas. Puedes someterle a un tratamiento tensor, mascarillas, ampollas y cosméticos con efecto “lifting”, todo ello para conseguir que tenga el mismo tono que tu rostro.

Un truco que no falla, maquíllalo, aplícate con una brocha gruesa un toque de polvos.

Pecho

Si eres bailarina tu nivel de grasa debe de ser muy bajo. Lo que sucede a menudo, es que a algunas mujeres los senos les crecen de mayor tamaño que a otras. En la estética del ballet la idea de un pecho grande y voluminoso no es el objetivo como en la mayoría de las mujeres, si no por el contrario, las chicas se preocupan porque su pecho no aumente demasiado su volumen.

Las bailarinas deben ser delicadas y un pecho grande no encaja con ese perfil. Además del anti estético efecto rebote que puede producirse en los saltos y con tutús que no permiten el fajado.

Asimismo, una bailarina de ballet debe ser refinadamente sensual, lo que implica utilizar su movimiento y su expresión para destacar su belleza y atractivo,  y no la simpleza de un atributo tan básico como los senos. El ballet es absolutamente sofisticado, no admite actitudes y rasgos primitivos, ni vulgares.

Alguien se imagina a una sílfide con mucho pecho? Desde luego, perdería todo su encanto y elegancia.

Si eres delgada y te sientes incómoda con tus senos, posiblemente debas plantearte una reducción  de pecho de carácter quirúrgico.

Modelo de bailarina. La exquisita belleza de Evgenia Obraztsova.

Isabel Fidalgo rechaza implantar educación artística en Taboada

Por Maria Doval

Isabel Fidalgo Albor, ha rechazado e ignorado la petición de los padres que solicitaron la asignatura de Ballet Clásico en el Concello de Taboada. El coste de la actividad iba a estar financiado por los propios padres de los alumnos, y solo se pedía la autorización del uso de un aula para los niños.

La crisis actual de nuestro país no se reduce a un desequilibrio económico, sino que está escoltada por una crisis social y de valores profunda, representada por la clase política que no es más que una emanación natural de la sociedad española en su conjunto capaz de engendrar especies inmorales y corruptas. Lo primero que vemos es la irresponsabilidad de una casta política que vive alejada y de espaldas al pueblo que debería servir y que antepone sus propios intereses a los de su comunidad. Y lo segundo, una población sumisa y desorientada – en la cual yo no me incluyo – que propicia toda clase de abusos y desaires.

Asimismo, las políticas educativas erróneas e improvisadas llevadas a cabo por las administraciones, y el deterioro económico nacional no está conduciendo al ballet hacia el camino más franco, sino que está promoviendo una apertura desordenada carente de fines artísticos y educativos a largo plazo y sin perspectivas de futuro. Los maestros estamos muy solos en cuanto a apoyo institucional se refiere, y luchar frente a la marea no se presenta como un desafío que inspire motivación. Desorganización, desprotección y devaluación de nuestra profesión no favorece el desarrollo de la actividad, no promueve la aparición de nuevas vocaciones, ni predispone voluntades para la conquista de proyectos.

Evidentemente en una país donde no hay raíces y tradición en torno al ballet, es lógico que no se atiendan suficientemente las necesidades y demandas de la disciplina. Pero de allí a ser un completo mal educado hay un largo camino.

Por citar un ejemplo muy reciente e ilustrativo, mencionaré el caso concerniente al Concello de Taboada (Lugo), cuya teniente de alcalde Isabel Fidalgo Albor, del Partido Popular de Galicia, sigue haciendo oídos sordos a las peticiones de padres y alumnos sobre la iniciativa de impartir y autofinanciar Danza Clásica como asignatura de carácter privado y particular, que solo requiere la utilización de un aula dentro de las instalaciones pertenecientes al Concello, y por tanto a los propios vecinos.

A pesar de la imagen poco respetable que se han ganado los políticos en los últimos tiempos, pareciera ser que a Isabel Fidalgo poco le importa. Es más importante organizar la fiesta del caldo de pollo o el caldo de oso, que promover la educación o una actividad productiva. O bien, repartir cajas con alimentos para hacer demagogia, que tener la oportunidad de brindar formación a coste cero para el Concello.

Y eso no es todo, Isabel Fidalgo ha tenido la vulgar osadía de dejarme literalmente “plantada” en dos ocasiones cuando me dirigía al Concello para concertar los horarios del aula de ballet después de haber sido citada. Ni siquiera se ha disculpado conmigo en ninguna de las ocasiones. Ni tampoco con los padres de las niñas que se preguntan que está pasando y porque las clases no empiezan. Llevamos casi todo este curso esperando el derecho a tener una sala, y en este momento el ciclo lectivo ya ha concluido.

Pero teniendo en cuenta que el PP cuenta con el apoyo de la tercera edad y la población agricultora – que es mayoría en el Concello – , y de que los pobres viejos y labriegos ni se dan por enterados de lo que hacen los políticos, Isabel Fidalgo sabe muy bien en que cosas debe poner atención y en cuales no. Evidentemente las clases de ballet y las necesidades de los niños no aportan los votos de una población rústica y envejecida.

Ahora bien, no me extrañaría que esta mujer venga a pedir el voto a la puerta de mi domicilio como lo hizo en las últimas elecciones. Yo espero no tener tan ingrata visita nuevamente, ya que no necesito recomendaciones de ninguna índole, y menos por parte del PP en mi propia casa.

Por otra parte, el alcalde Ramiro Moure, no se da por enterado de lo que pasa, o prefiere mirar hacia otro lado. Cuando me presenté ante él en días pasados no le dio trascendencia a la falta de deferencia de Fidalgo, sino que dejó entender que es un hombre sin carácter y determinación para ocupar su puesto, o al menos es la impresión que me suscitó muy claramente.

En definitiva, un político que no asiste a su lugar de trabajo, que hay que ir a buscarlo a su casa en hora de servicio, y que desprecia las funciones de un profesor dejándolo tirado en una entrevista sin avisar previamente, o al menos disculparse, debe renunciar a su cargo. Y un alcalde que consiente ese tipo de conductas tampoco está capacitado para ejercer su puesto. Pero la moral no es la virtud que abunda entre los grupos políticos, ni siquiera en los simples concellos de pueblo.

Por tanto, aquellos que aún tenemos un poco de sentido común debemos ser inflexibles ante esta clase de sujetos tan burdos, y pensar muy bien antes de poner el voto. Y pensar muy bien si merece la pena perder un solo minuto de tiempo con estos elementos.

Y he de decir que las opiniones políticas acostumbro a mantenerlas en mi ámbito más privado, pero cuando la política malogra el bien de la danza soy capaz de perder toda consideración. Porque el desprecio y la falta de estilo de Isabel Fidalgo no lo asumo como algo personal, sino como una subestimación a mi profesión, a los padres y alumnos demandantes, y a la danza en si misma. Y si bien para mí esta circunstancia no es más que otra anécdota en mi camino, para algunos implicará tener que llegar hasta Lugo capital para recibir formación en danza – siendo una acción totalmente innecesaria -, y para otros, desperdiciar posiblemente la única ocasión de tener un profesional de la danza al alcance de su mano.

Condado de Riverside, CA, 7 de octubre de 2013: ACLARACIÓN

Debo aclarar que el pretexto que está utilizando actualmente la Sra. Isabel sobre un rápido procedimiento por escrito para la obtención de un aula, se contradice con las citas que se me han otorgado. De haber existido ese procedimiento, o de habernos informado del mismo, hubiéramos ahorrado mucho tiempo y evitado las actuales disputas. Dejar  tirado a un profesor sin previo aviso, u ocultar la existencia de dicho procedimiento a los interesados por el ballet, es un rechazo en toda regla.

Por otra parte, he sido amenazada a través de un mensaje privado a mi Facebook por la señora Fidalgo, por lo cual guardo cuidadosamente en mis archivos las calumnias que ha dicho sobre mí sin prueba alguna, tales como que deseo impedir el desarrollo de las actividades, o bien que mi interés es concentrar todo en una sola actividad.

Asimismo me acusa de interés económico, como si yo debiera trabajar gratuitamente para complacerla, o bien compartir con ella mis beneficios. En todo caso resulta absolutamente aberrante pretender que una persona trabaje gratis y sin cotizar en la seguridad social. Acaso ella no tiene intereses económicos y electorales? Se nos pide a los españoles trabajar a cambio de nada? Era lo que nos faltaba oír.

El presente artículo fue publicado el 21 de julio. La señora Isa Fidalgo recién en octubre entró en la cuenta del mismo, por lo que se deduce que nuestros dirigentes están muy poco habituados a las medios de comunicación y las nuevas tecnologías.

Por otra parte, agradezco al periódico El Progreso el inmediato interés que ha tenido en la noticia.

La Révérence en la clase de ballet

No importa qué tan emocionante sea la última parte de una clase de ballet, la clase no ha terminado hasta que usted no haga su reverencia.

Una reverencia siempre se hace al final de la clase y es una antigua tradición de ballet en reconocimiento al maestro y al pianista, además de mostrar cortesía, elegancia y respeto.

En algunas clases de ballet la costumbre de la reverencia es un ritual inmutable, y en otros, el maestro puede coreografiar una diferente cada vez. Puede tomar la forma de una simple reverencia con una  port de bras, o una serie de pasos más elaborados con port de bras y cambios de dirección.

La révérence nunca es demasiado exigente técnicamente, pero hay mucho que se puede aprender para hacerlo cada vez mejor. Si no cumple con las exigencias técnicas de la clase, se puede  perder la hermosura de su reverencia, ya que necesita práctica para resultar grácil, puesto que no es una práctica normal en la vida diaria.

La Reverencia será esencialmente el desarrollo de buenos modales sobre el escenario y en su relación con el público.

Fuente: The Ritual of the Reverence

Los niños en la danza: Crear puentes de comunicación entre padres y profesores

Por Maria Doval

Pensar que todos los padres que llegan por primera vez a las clases de ballet con sus pequeños han recibido suficiente información sobre nuestra disciplina sería utópico. Pero obviamente, tampoco se pide que los papás tengan que estudiar un tratado sobre la práctica de la danza clásica antes de introducirse en la materia, sino lo que pretendemos es compartir con ellos la educación artística de sus hijos/as, y que colaboren en los procesos de aprendizaje  animándoles a establecer un diálogo positivo entre niños, padres y profesor consolidando vínculos de confianza, y estableciendo los recursos apropiados. Debemos tener en cuenta que si el profesor está mejor informado del entorno del niño y de sus capacidades de aprender, podrán actuar de la forma más conveniente y de acuerdo a sus posibilidades.

¿Cuál es el propósito? Fundamentalmente velar por el bien de los pequeños y ayudarles a que tengan un experiencia favorable y beneficiosa durante el periodo de su vida que dediquen al ballet.

Por mi propia experiencia puedo afirmar que la falta de diálogo con el maestro y la ausencia de conocimiento por falta de los padres, ya sea por desinterés, por falsas creencias, o simplemente por miedo a establecer contacto, se traduce en:

1. Fomentar en el niño falsas expectativas, antes de saber si el pequeño está cualificado o no. Los padres deben mostrar interés y ser conscientes de la situación de su hijo y de las posibilidades que tiene de bailar, ya sea como profesión o afición. Se dan casos (según la Prof, Julia Resina) en los que los padres no quieren ver el problema de sus hijos, les dan la razón en todo y culpan por ello al maestro, sin preocuparse de tener una información previa, El maestro de convierte en enemigo y no en aliado de los padres.

2. Crear en el niño ansiedad por bailar y en ejecutar “pasos difíciles”, desconociendo que la danza tiene determinados tiempos y estructuras, y que los niños requieren adaptación y paulatina madurez para afrontar la nueva tarea de bailar.

3. Pensar que la danza es una tarea sencilla desconociendo absolutamente que el trabajo es bastante arduo. (Léase también “Porque se abandonan las clases de ballet” )

4. Sentarse a mirar una actuación del niño en forma examinatoria, fomentando miedo e inseguridad, y no dejar que el niño disfrute con alegría de sus primeras experiencias en el escenario. Esto podría evolucionar a corto y medio plazo en la aparición de síntomas relacionados con el miedo o pánico escénico, difíciles de erradicar y perjudiciales para el desarrollo del individuo en las artes escénicas o en cualquier actividad que suponga exposición a otros grupos de personas.

5. No comprender que la danza es una tarea rutinaria que requiere de repeticiones múltiples, pensando que el niño debe aprender pasos nuevos continuamente, frustrándole en sus logros. Los niños, sobre todo los más pequeños, necesitan crear hábitos de entrenamiento, lo que les aportará seguridad y confianza para ir introduciendo lentamente nuevas habilidades.

6. En las reuniones de padres no se pronuncian dudas, inquietudes o desacuerdos. Se habla a espaldas del maestro y se corroe así el entendimiento y la buena educación dentro de la comunidad. También se manifiesta a menudo el uso de un “doble lenguaje” (en palabras del Profesor Bernabé Tierno) que nos aleja del principio de sinceridad mutuo. Esto implica no decir lo que se piensa con franqueza lo que disminuye la capacidad de dialogo y acuerdos entre padres y maestros.

7. Pensar que el profesor de danza debe actuar como psicólogo en las más variadas dificultades de la conducta infantil cuando no tenemos obligación, competencia ni acreditación que así lo disponga. Niños con problemas de conducta deberán ser remitidos a los profesionales cualificados según lo disponga el médico de cabecera u orientadores escolares, y no serán admitidos en clase en tanto no reciban la guía psicológica y/o psiquiátrica que confirme que está capacitado para asistir a clases de ballet sin obstaculizar el aprendizaje de otros niños. También téngase en cuenta que la familia es un punto de referencia  principal para el niño. Su principal incentivo y modelo lo encontrarán en sus padres.  Ante situaciones de inadecuación social deberá hacerse un estudio que incluya padres e hijos de forma externa y al margen de las clases de ballet.

8. Tratamiento discriminatorio o diferencial hacia el profesor cuando se trata de una mujer, situación que no se produce cuando el docente es masculino, lo que induce a interiorizar en el niño estereotipos de género y asimismo, origina una discriminación y/o  devaluación de la danza en relación con otras asignaturas.

9. Desvalorización de la carrera profesional de danza y de los conocimientos del profesor en la materia, considerándolo menos capacitado que otros profesionales de la enseñanza.

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Fotografía de Keith Dixon

Como se puede apreciar, hay pensamientos opuestos, contradictorios y carentes de toda lógica y veracidad.  Afortunadamente estos sucesos no cursan siempre, ni se dan en todos los ámbitos o entornos educativos, pero en ciertas ocasiones es mucho más habitual  de lo que se supone. La danza académica es una realidad tan compleja como la sociedad misma en su interacción, evolución y enseñanza, siendo variable según los diferentes entornos y patrones culturales, y su éxito o rendimiento es proporcional al nivel de evolución de las comunidades de individuos donde se desarrolla.

El acercamiento a la danza de grupos sociales que antes no tenían acceso a ésta marcan este tipo de conductas. El auge de las comunicaciones, sumado a series de televisión, y productos que venden ballet con fines comerciales – no artísticos – , ha traído una nueva ola de interés en el sector por parte de colectivos que, en otras épocas, no hubieran llegado siquiera hasta la puerta de una escuela de ballet.

Y dentro de estos nuevos colectivos, hay gente con suficiente categoría humana e interés que desea escuchar y aprender, otros que lamentablemente tienen violentos arrebatos de incultura que nos impiden dialogar, y algunos que no quieren admitir su desinformación en el área ni se abren al diálogo, formando corrientes de opinión falsas carentes de criterio y fundamento. (Léase también “Falsos mitos sobre la práctica del ballet” )

Por supuesto que en Rusia y en otros países la danza es popular y cotidiana. Pero estamos en España, en una sociedad muy diferente a la rusa y la realidad que se aprecia en nuestros ámbitos obreros y rurales es muy opuesta. La carencia de formación académica no debiera estar reñida con educación y las maneras, pero lo cierto es  que la estadísticas confirman lo contrario. Y por ende, se hace más complejo para el maestro trabajar de forma unilateral con los alumnos, sin recibir el apoyo moral de las familias y/o escuelas cuya instrucción en civismo y disciplina se pasan a menudo por alto, o no se tienen en cuenta.

Por un lado, se conoce explicitamente que el consumo de nuestro arte es de carácter históricamente elitista. De esta manera, aparecen individuos que utilizan las clases de ballet de sus hijos/as como falsa herramienta de ascenso social y/o cultural que carecen de un interés efectivo en la formación del niño. Resulta inusual que este tipo de sujetos demuestre autentico inclinación hacia la materia.

Otros apuntan a sus hijos a clases de ballet, pero no tienen idea de lo que es, ni en que consiste, se apuntan sin más “para ver que pasa”

Y otros, y en el menos frecuente de los casos, inscriben a sus hijos porque quieren enriquecer su formación y saben que la danza es una excelente forma de establecer rutinas de trabajo y normas de socialización, al tiempo que se introduce al  niños en sus primeros contactos con las artes. Este nivel suele corresponder a individuos de formación universitaria o bien, ocupan puestos de responsabilidad y competencia en su ámbito laboral.

En definitiva, la única constante es el nexo de unión entre la disciplina y los individuos, representada por el maestro, cuyo vínculo es necesario fortalecer, renovar y mantener por el bien común con las únicas herramientas eficaces que tenemos a nuestro alcance: el respeto, la educación y la cooperación mutua.

La danza es una manifestación artística y cultural que debemos construir entre todos. La danza requiere un modelo de educación coherente donde el desierto en torno al dialogo con un maestro que actúa solo, aislado e incomunicado de los distintos agentes que participan activa o pasivamente en la labor, no tendrá posibilidades ni futuro de concebir una misión provechosa y formativa que aspire a mejorar el acervo cultural de las nuevas generaciones.