Indumentaria de Danza

Ballet Style ¿no encuentras lo que necesitas?

Posiblemente te esté pasando lo mismo que a mí, necesitaba camisetas para mi guardarropa pero las marcas tradicionales de indumentaria para la danza no tenían lo que yo buscaba, y además, tenía miedo de realizar compras online en sitios desconocidos o de personas anónimas que no sabes ni quienes son, ni a que se dedican.

Evidentemente comprar en un sitio de Instagram llamado ‘ballet love’ (o algo por el estilo) no inspira confianza alguna, y menos aún cuando la persona que está detrás no sube ni su foto, ni su localización, ni su profesión, ni nada.  Internet se ha convertido en un espacio donde cualquiera se hace pasar por lo que no es, y donde abundan ofertas de todo tipo sin avales. De modo, que pensé que podría llenar ese espacio que todos necesitamos con mis propios productos, ya que, todos me conocéis sobradamente, y yo por mi parte,  conozco a la perfección lo que un bailarín busca a la hora de comprar su ropa para ir a clase.

Para gustos, colores, y esta máxima la tengo muy clara. Por dicho motivo, en mi propia tienda podéis encontrar los más variados diseños, desde los más llamativos hasta los más discretos, dependiendo de tu edad, preferencias y gustos. No se si podré contentar a todos, pero es mi principal objetivo en esta nueva propuesta que os traigo. No dejéis de visitar la tienda con frecuencia para ver los nuevos diseños que van apareciendo.

¿Dónde encontrarme?

Aquí mismo, siguiendo este enlace MARIA DOVAL BALLET STORE Te recomiendo que guardes la página en la sección favoritos de tu navegador para acceder a ella cuando quieras, rápido y fácil.

Te desafío a que encuentres el diseño que necesitas en mi tienda y ¿dime si no he acertado? ¡¡Espero que sí!!  Mira estos ejemplos, tienes más modelos y colores en la tienda

Maria Doval Ballet Store

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Triana Botaya, desde México con amor y talento

Conversamos con Triana Botaya, bailarina solista del Ballet David Campos y profesora de la Escola de Ballet David Campos

Por Maria Doval

Triana Botaya López no solo captó inmediatamente nuestra atención por su belleza y cualidades como bailarina, sino que además, representa la realidad de muchas personas que como yo, también provenimos de la inmigración española en el exterior, y que tenemos una particular visión del mundo por nuestras experiencias familiares y personales. Proceder del extranjero tiene dos aspectos, por un lado, eres tan español al igual que los demás, pero por otro, contamos con una especial percepción de la hispanidad en un sentido amplio y universal, y posiblemente con una mayor capacidad de asimilar, incorporar y fusionar variados matices culturales desde una perspectiva más vasta y diversa, logrando consitutuir una dualidad de vinculación y pensamiento entre América y el viejo continente. Esta virtud de discernimiento – por llamarlo de alguna manera – resulta muy valiosa y estimable cuando la persona en cuestión es un artista.

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Triana Botaya. Fotografía de Marta Arjona / Danspxl

Triana Botaya es nacida en México, nieta de refugiados españoles, y comienza sus primeros pasos en la danza a una edad muy temprana, con apenas dos años. Un casual encuentro con el ballet El Lago de los Cisnes le hace pensar muy prematuramente que su futuro está en la danza clásica y es apuntada a estudiar en una escuela de técnica cubana. Más tarde, comienza formalmente su carrera en la Escuela Nacional de Danza de Bellas Artes de México, y luego es becada para terminar los últimos tres años de su carrera de bailarina en la Escuela Nacional de Ballet de la Habana donde se gradúa como bailarina con honores en el año 2011.

A continuación, audicionó para llegar junto al maestro Victor Ullate permaneciendo un año en Madrid, para finalmente entrar como aprendiz en el Ballet David Campos, de Barcelona. Pero en esta compañía, Triana asciende vertiginosamente hasta convertirse en bailarina del cuerpo de baile, e inmediatamenente logra el rango de bailarina solista. En la actualidad, continúa su labor profesional de la mano de David Campos como bailarina y profesora de la Escola de Ballet David Campos. Nos cuenta que se encuentra plenamente satisfecha junto al maestro David Campos e Irene Sabas, dado el distinguido prestigio de la dirección y la calidad coreográfica de sus representaciones.

Cabe destacar, que en su paso por la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, estuvo bajo la dirección de Ramona de Saa y ha sido alumna de otros notables maestros como Laura Domingo y Ester García en técnica clásica, Marta González, Marta Iris Fernández, Elena Cangas en repertorio, Teresita Iglesias en preparación física y Ninet Durán en el estudio de variaciones. Y por supuesto, al gran maestro Fernando Alonso como regidor de clases y ensayos.

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Triana Botaya. Fotografía de Marta Arjona / Danspxl

Asimismo, en su amplia trayectoria escénica cuenta con papeles como Clara del Cascanueces, Torera del Quijote, las Willis de Giselle, Paquita, Esclava del Corsario, y en repertorio neoclásico,  RockRequiem, Fausto y Passos i Enllaços, entre muchas otras interpretaciones.

Su mayor deseo es continuar bailando y creciendo como bailarina, y tal vez en el futuro, se perfila como coreógrafa dada su innata capacidad creativa. Pero sobre todo está muy agradecida al apoyo familiar – fundamental para las jóvenes bailarinas – y a la cálida acogida en la compañía de David Campos, donde entrena muchas horas diarias además de combinar su actividad docente en la escuela de ballet donde ejerce como profesora de cuatro cursos.

Fotografía Danspxl

En el próximo artículo hablaremos sobre su experiencia con los productos de Sansha, si eres aspirante a bailarina no pierdas la oportunidad de conocer sus opiniones y consejos. Suscríbete al blog o sígueme en Facebook o Twitter para no perderte ni un solo detalle.

Triana Botaya López
Ballet David Campos Escola de Ballet David Campos

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El ballet en Internet: ¿calidad o cantidad?

Todo apunta a que la cantidad prevalece sobre la calidad, y también es cierto que la popularidad del ballet  en Internet a en los últimos 15/20 años ha producido un incremento de público que puede acercarse desde su hogar al mundo del ballet que antes solo estaba reservado a unos pocos – al menos en España -.

Pero ¿qué calidad de contenidos tiene a disposición el principiante interesado? ¿saben éstos que espacios virtuales deben seleccionar y que es lo más adecuado para aprender? La respuesta casi siempre es ‘no’. La multiplicidad y auge de redes sociales, blogs y videos, a menudo no nos sugiere si el autor es competente o está cualificado en la materia, de modo que abunda gran variedad de personajes anónimos – que con seudónimos o eslóganes tan simplistas como ‘ballet pasión’, ‘love ballet’ (y otras cosas por el estilo)- atraen a cantidad de seguidores llevados por el desconocimiento ingenuo de no saber distinguir temáticas de calidad. Y no hay que dejar de mencionar el lado más aborrecible de ciertos ‘youtubers’ (nueva tribu de desconocidos mediáticos que despuntan en al red de manera aleatoria y sin mérito que lo acredite) que arrojan palabrotas y groserías corriendo el grave riesgo de que a todos los que estamos en esta disciplina profesionalmente se nos confunda de manera errónea y se nos incluya ‘en el mismo saco’. La mediocridad se impone notoriamente.

Por otra parte, pareciera que el nuevo público tiene un perfil que se inclina a apreciar más la habilidad acrobática sobre la calidad artística, de modo que la imagen de una jovencilla con la pierna en la oreja tiene más ‘likes’ o visitas que una étoile reconocida. Y como la mayoría del reciente público conoce más bien poquito, estos aficionados que suben contenidos sin elaboración o selección a la red pueden llegar a obtener más seguidores que el mismísimo ABT. Claro que hay que dar lugar a la promoción de estudiantes con futuro, escuelas dignas y bailarines destacados, pero nunca confundir el ballet clásico con la acrobacia circense, o hacer del ballet un género de categoría basura donde cualquiera se convierte en disertante cuando ni siquiera puede hablar con propiedad, o no respeta la formalidad del lenguaje hacia los receptores. Definitivamente esto es incompatible con la educación y la etiqueta de la danza clásica.

En fin, esta difusión descontrolada y vulgaridad de la danza en algunos medios nos sitúa en el compromiso de vernos perjudicados aquellos que intentamos mantener la calidad y conservación de los valores propios de este arte, y que muchos personajes extraños han hecho suyo sin justificación alguna. Pero también es preciso valorar el lado mas positivo de esta expansión al estar en contacto con grandes compañías, portales y revistas profesionales, noticias de actualidad, artistas de renombre: solo se trata de saber escoger sin caer en lo mezquino u ordinario, y en la soledad frente a un ordenador el nuevo público no lo tiene nada fácil. Para reflexionar.

Maria Doval

 

 

 

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Symposium “From Bordeaux to Saint Petersburg, Marius Petipa (1818-1910) and the ‘Russian’ Ballet”

Symposium “From Bordeaux to  Saint Petersburg, Marius Petipa (1818-1910)and the ‘Russian’ Ballet”  has received the patronage of the French National Commission for  UNESCO. Registration and all details of the planning available on the conference website : http://www.msha.fr/petipa/
AffColloqueetPetipa VF (1)-page-002Contenido del Coloquio:  Haga click en las imágenes para agrandar
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1818-2018 Marius Petipa y el ballet ruso

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Marius Petipa 1818 – 1910

El ballet es un arte que ha sido desde siempre el referente de príncipes, reyes y emperadores. De hecho, algunas de las grandes compañías como el Royal Ballet de Londres, el Danish Royal Ballet, el Dutch Royal Ballet y muchas otras llevan en su nombre la impronta de su estirpe.

Si bien el ballet nació en Italia y se desarrolló en Francia, fue en el Imperio Ruso donde obtuvo su gran esplendor. Los zares no escatimaron esfuerzos para conseguir el mejor ballet del mundo. El gran ballet académico se asoció a Marius Petipa, director y maestro de ballet de los Teatros Imperiales de San Petersburgo desde 1869 hasta su muerte.

Nacido en Marsella en 1818 en una familia de bailarines y actores, Marius Petipa hizo una carrera de más de cincuenta años en Rusia , dejando a la posteridad sesenta creaciones, como La Bayadera, El Corsario, Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente, y Raymonda, entre otros, que siguen estando vigentes sobre todos los escenarios del mundo. El nombre “Petipa” se ha convertido en sinónimo de ballet clásico y su experiencia sigue siendo fundamental para el pensamiento de muchos coreógrafos y maestros contemporáneos. El nombre, de popularidad universal, sugiere que su obra conforma una especie de “núcleo común” en la cultura internacional de la danza. Sin embargo en Francia, su país natal, no hay trabajos sobre él, ni siquiera una sencilla biografía, y su labor ha sido un reconocimiento tardío dedicado exclusivamente como corrección de Rudolf Nureyev al frente del Ballet de la Ópera Nacional de París en la década de 1980.

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Emma Minchenok

Para el próximo 2018 se realizarán en Francia una serie de celebraciones y conferencias para analizar el importante papel de Petipa en la historia del ballet en general, las relaciones culturales franco-rusas, y justificar un estudio exhaustivo de su trabajo que finalmente se ha completado en perspectiva de la celebración de su bicentenario. En Burdeos tendrá lugar un simposio que se abrirá con eventos culturales que culminarán en Marsella, lugar de nacimiento de Marius Petipa.

Los organizadores tienen la intención de elaborar una evaluación científica que se organiza en torno a una serie de objetivos científicos principales:

Eje 1 Estado actual del ballet en Francia y Rusia en 1840 • Las escenas de ballet y el Gran Teatro de Burdeos • Los orígenes del ballet en Rusia y adaptación de un género occidental • Los coreógrafos franceses en el Imperio Ruso: Jean-Baptiste Lande, The Charles Picq, Charles DIDELOT, Alexis Scipio Blache, Auguste Leek, Arthur Saint-Léon, Jules Perrot … • El directorio, el teatro, la música, la coreografía, los artistas • los roles masculinos y femeninos en el género de argumento del ballet, coreografía, organización

Eje 2 Retrato de Marius Petipa. intérprete y diseñador • El Petipa, una dinastía de bailarines y actores • Petipa intérprete: su carrera y funciones a través de los testimonios de los contemporáneos • ballets: Estudio de los argumentos, la puesta en escena (decorados y vestuario) , música (compositores: Cesare Pugni, Riccardo Drigo, Piotr Ilyich Tchaikovsky, Alexander Glazunov …); el “estilo de Petipa” • Rewrites Dance (Mazilier de Perrot, Dauberval, etc.) operado por Marius Petipa

Eje 3. Institución del ballet en Rusia en el momento Petipa • El papel “oficial” del ballet en los Teatros Imperiales. La compañía de San Petersburgo y la troupe de Moscú, su lugar en la vida cultural de la sociedad rusa. Ballet en los otros teatros del imperio ruso • La enseñanza de la danza a la edad de Petipa. La escuela de ballet de San Petersburgo • Petipa en los Teatros Imperiales. Sus relaciones con los directores • intérpretes Petipa. El estado de la bailarina / bailarín en el momento Petipa

Eje 4. Radiación y  legado de Petipa en el Imperio ruso, la Unión Soviética y en el mundo • Petipa y Francia. Petipa en la Ópera de París • De Petipa para los Ballets Rusos. Ballet Petipa Soviético • El legado de Petipa en el mundo • ballets de Petipa como inspiración para los coreógrafos contemporáneos.

Info: Conference “FROM BORDEAUX TO SAINT PETERSBURG, MARIUS PETIPA (1818-1910) AND  THE « RUSSIAN » BALLET”
Bordeaux Grand Theatre оn 21-22-23 October, 2015. Call for submissions is open until 15 november, 2014

For more details, see at our Blog :http://mlada.hypotheses.org/appel-a-communications-fr

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Gran Teatro de Burdeos
Clase de Ballet

Maquillaje de Competición

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Photo: Jack Devant

Cuando nos presentamos en una competición de ballet, además de exhibirnos frente al público, estamos siendo evaluados por un tribunal que está ubicado en mesas cercanas al escenario. De modo, que al diseñar el maquillaje para el evento debemos tener en cuenta que los jueces se sitúan en zonas muy próximas, y por tanto, es importante evitar estridencias, tonos chillones y cualquier efecto recargado.

Lo ideal es que el concursante tenga un aspecto fresco y juvenil, ya que no está integrado en un conjunto de bailarines profesionales, ni se está representando un ballet habitual. Por tanto, este maquillaje debe ser profesional y adecuado a la edad del participante.

El primer paso es aplicar corrector. Si bien la piel de las jóvenes es bastante tersa e hidratada, puede haber granitos, impurezas o rojeces que debemos cubrir y unificar. A continuación pasar una capa de polvos ligeros con una brocha. Cuidado con utilizar maquillaje que pueda manchar el tutú!

El colorete no debe ser muy acentuado para evitar el efecto muñeca pepona. Es suficiente aplicar en los pómulos un colorete pálido. Puedes corregir o difuminar con polvos.

Sobre los párpados debemos poner algún tono neutral y con poco brillo. Los brillos pueden perjudicar el rostro en vídeo o fotografía, y bajo el efecto de la iluminación. Si es necesario podemos rellenar las cejas con sombra de color marrón y aplicar algo de gel o laca para que permanezcan bien peinadas. Luego colocar una sombra más oscura dentro de la misma gama sobre la línea de las pestañas superiores y fundir muy bien con el tono base. Cuanto más clara es la tez, más delicado deberá ser el color.

Aplicar máscara de pestañas, y si fuera oportuno, colocar pestañas postizas (no muy exageradas)

Y por último, delinear los labios con un lápiz rosa y finalizar rellenando con un tono rosa claro.

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Salud y Cuidados

Niños hiperactivos en la clase de ballet

Si hay una actividad beneficiosa para los niños con TDAH es la práctica del ballet. Pero para tratar estos casos es necesario una intervención desde diferentes ámbitos, que incluya un tratamiento farmacológico, psicológico, y la cooperación de padres y maestros.

En este sentido, la práctica del ballet es beneficiosa en si misma, pero requiere información y competencia por parte del profesor. No debemos olvidar que la danza ejerce en muchos casos como complemento terapéutico en variados trastornos y el TDAH, Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad, es uno de los motivos por los cuales recibimos este tipo de alumnos en clase.

Cabe señalar, que a menudo son los educadores los que encienden la señal de alarma, ya que existe bastante desconocimiento sobre el tema, y en ocasiones los padres no tienen la información necesaria. También hay casos en que los padres no pueden, o no aceptan reconocer el trastorno que sufre el pequeño, o simplemente se niegan a hacer la consulta médica que exigimos, razón por la cual se hace bastante difícil actuar de manera unilateral sin la terapia psiquiátrica y la ayuda familiar necesarias. Resulta normal que muchos padres tengan miedos u otras preocupaciones debidas a falsos mitos que existen en torno al TDAH, como creer que es una forma de etiquetar a niños difíciles, o bien, que es un problema leve que desaparece con la edad. Podría afirmar que es muy frecuente advertir estas creencias en los padres, que suelen justificar la conducta de sus hijos con aquello de que “son pequeños”, sin más.

¿Qué niños pueden ser aceptados en la clase de ballet?

Aquellos que están diagnosticados y bajo tratamiento, y los pequeños cuyos padres están dispuestos a consultar con el pediatra si el profesor lo solicita. Niños que no reciben tratamiento alguno y entorpecen el desarrollo normal de las clases no pueden acceder a las mismas. Si el profesor no tiene apoyo familiar y médico, las clases de ballet no serán beneficiosas para el alumno.
Es preciso tener en cuenta que los niños con TDHA no requieren ningún tipo de clase especial ni diferenciada con respecto a otros niños. Los niños hiperactivos pueden y deben compartir sus actividades con el resto de sus compañeros bajo las intervenciones oportunas e individualizadas de su profesor que debe estar preparado para atender a estos casos. Los niños diagnosticados de TDHA no tienen porque considerarse con menor capacidad intelectual o desarrollo que otros niños de su edad.

¿Por qué son beneficiosas las clases de ballet para niños con TDHA?

Las clases de ballet son un método de terapia que encaja con certeza en lo que debería ser el tratamiento para los niños con este trastorno. Además, los niños con TDHA se inclinan por las actividades físicas.

  • El ballet es una disciplina correcta y lógicamente estructurada.
  • El ballet fomenta el autocontrol.
  • Establece rutinas y normas de trabajo y convivencia.
  • Está organizado en tareas cortas y variadas.
  • Estimula la memoria.
  • Las instrucciones del maestro suelen ser claras, cortas y precisas. La información está simplificada.
  • En las clases de ballet las rutinas están previamente pautadas, de modo que el niño sabe lo que viene primero y después, afianzando su autoconfianza.
  • Los cambios de ejercicios y el aprendizaje de nuevos pasos se realizan de forma lenta y gradual en el tiempo para evitar la ansiedad en los más pequeños.
  • Mejora la autoestima.
  • Promueve la búsqueda natural de logros y objetivos gratificantes para el niño.

 

Ballerina

 

Ahora bien, ¿Cuándo debemos advertir que tenemos un niño con TDHA en clase?

Los casos de TDHA son muy variados, aunque existen ciertos ítems que debemos tener en cuenta:

  • Si presenta rabietas constantes.
  • Si se aísla de sus compañeros.
  • Si su conducta es desorganizada.
  • Si es impulsivo o agresivo.
  • Si no atiende instrucciones simples.
  • Si no es capaz de mantener su atención en ninguna actividad.

Jamás debemos hacer una afirmación sin estar avalados por un diagnóstico médico preciso. No obstante es fundamental conversar con los padres y expresar lo que está pasando en las clases. Un niño que es incapaz de acatar indicaciones simples como sentarse, ponerse de pie, hacer un círculo, etc, tampoco es capaz de centrar su atención en ejecutar un paso de ballet sencillo o escuchar la música. Para que la clase sea eficaz debemos tener un diagnóstico y proceder en consecuencia.

¿Cómo podemos ayudar a estos niños?

La clase de ballet será a lo largo del tiempo una terapia positiva si añadimos ciertas pericias pedagógicas. Tenemos que saber que el ballet solo, o el tratamiento farmacológico aislado de normas y pautas de actuación no servirán de nada. La cooperación e intervención debe ser conjunta en el ámbito escolar, familiar y sanitario.

Para ello, los profesores debemos seguir buscando formación que nos ayude, siempre teniendo en cuenta las limitaciones que tenemos como educadores, ya que no somos competentes en otras áreas. No obstante, nuestra porción de trabajo es fundamental para el desarrollo social y cognitivo del pequeño.

Por tanto:

  • Debemos disponer ejercicios adecuados a sus capacidades y que ellos puedan realizar con éxito.
  • Debemos mostrar confianza en sus habilidades.
  • Reconocer su esfuerzo y sus logros.
  • Escuchar a los niños y dialogar. Dedicar unos minutos de la clase a conversar con ellos para que cuenten las novedades del día. Si alguno se ha peleado con un compañero del cole o ha tenido algún conflicto puede contarlo en clase de ballet donde las bailarinas intentamos ser su grupo de apoyo. La pertenencia a un grupo y el hecho de poder ser escuchado les aporta seguridad y confianza (no solo a los niños con TDHA, si no a todos en general)
  • Alternar ejercicios más intensos con otros más relajados. No es aconsejable fomentar la excitación del grupo durante un tiempo prolongado.
  • Establecer claramente las normas de la clase y pactarlas con todos.
  • Establecer las consecuencias de la transgresión de esas normas.
  • Repetir instrucciones si es necesario.
  • Dar responsabilidades simples. Cada día podemos elegir un ayudante del profesor que repartirá los materiales o ayudará a ordenar los CDS, o cualquier tarea sencilla que consideremos oportuna.

Por último, es preciso que los padres procuren buscar información si sospechan que sus hijos pueden padecer este trastorno. Y no dejar de visitar a su pediatra.

 

 

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Pies de bailarina. Como mejorar su aspecto y flexibilidad

Si un bailarín/a tiene poco empeine, no se sentirá a la altura de las circunstancias sobre el escenario. El pie además, es uno de los temas de mayor consulta que recibo ya que todos los bailarines de ballet prestan mucha atención a sus pies buscando mejorar constantemente empeines y arcos. Por desgracia, el arco y el empeine están determinados en gran parte por factores genéticos sobre los que no tenemos ningún control. Sin embargo, se puede mejorar el aspecto aumentando la fuerza, flexibilidad y estética con diferentes opciones.

  • Ejercicio: La opción más barata y de la que nunca puedes prescindir. Si tienes unos pies aptos o no, el ejercicio siempre deberá formar parte de tu rutina. Lo importante es hacer ejercicio a diario y no forzar tus pies en exceso, ya que una lesión podría dejarte fuera de la actividad y provocar serias dificultades para continuar.

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  • Dispositivos: En el mercado existen diferentes marcas, modelos y precios. En Europa y Estados Unidos se consiguen en tiendas especializadas. Si no tienes un comercio a tu alcance, en Internet hay tiendas online donde puedes adquirirlos. Estos son solo unos ejemplos.
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  • Inyecciones de colágeno: Hay bailarines famosos que usan las inyecciones de colágeno y recurren a la cirugía para conseguir las líneas estéticas deseadas. Si crees que ésta puede ser una solución a tu alcance, consulta con un especialista.

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  • Liposucción de tobillos: Consiste en eliminar el exceso de grasa acumulada en esta zona del cuerpo, lo cual permitirá que aquellos individuos que sufran de la llamada “pierna de elefante” luzcan unas extremidades perfectas.  Tener grasa en los tobillos es una cuestión genética, por lo que la gente que quiere reducir su volumen no lo logrará sólo con dietas y ejercicios; forzosamente deberá someterse a esta operación.

 

 

Relleno de silicona para aumentar empeines

 

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Clase de Ballet

El perfil de un bailarín

Una hermosa imagen, capacidad de expresión e interpretación. Para ser un buen bailarín además, se necesita talento y espíritu de superación.

Para convertirse en un bailarín profesional los requisitos suelen ser bastante desmoralizadores para algunos. De hecho, el ballet es una disciplina compleja que requiere de ciertas aptitudes físicas e intelectuales que mucha gente no posee.

Por tanto podemos afirmar que el perfil de un bailarín profesional es muy diferente del perfil de los no profesionales.

En principio, el modelo antropométrico es muy particular, ya que la exigencia de la delgadez y las líneas exclusivamente estilizadas y longuilíneas se imponen. No obstante, es importante valorar el tiempo que el bailarín dedica a la actividad y su intensidad de trabajo, ya que, estos factores intervienen directamente enfatizando esas características físicas y estéticas. El ballet, conocido como una forma de arte laboriosa, necesita de mucho tiempo para la construcción del movimiento según los patrones académicos y su estudio requiere de una escala de factores en concordancia con las etapas de evolución del estudiante, sus facultades físicas y capacidades intelectuales. En definitiva, además de unas cualidades singulares, se necesita trabajo regular y constante.

Tener unas caderas muy anchas, o un elevado porcentaje de adiposidad corporal impide totalmente el avance en la disciplina, o su exclusión. Las características biológicas, la composición y dimensión corporal resultan definitorias para el movimiento, más allá de la práctica.

También resulta importante alcanzar un nivel óptimo y adecuado en los rangos de movimiento. Las limitaciones en la anatomía, fisiología y destrezas motoras en general pueden conducir al fracaso profesional.

El bailarín debe dominar su coordinación y el control de su cuerpo, poseer una gran inclinación musical y orientación espacial, y sobre todo, tener un gran desempeño artístico y la capacidad de soportar presiones frente al público, o frente a un tribunal de examen.

Asimismo, debe contar con suficiente fuerza de voluntad, afán de superación, abnegación, perfeccionismo, eficacia, autoestima, constancia, facultades de comunicación y expresión corporal, y resistencia psíquica, y ha de brindarse un estudio sostenible por medio del cual el alumno pueda desempeñar una técnica depurada en virtud de su desarrollo y edad, del mismo modo que se hace necesario en ocasiones reorganizar cambios en los modelos metodológicos que centren la enseñanza en una construcción lógica, sensata, secuencializada y oportuna del movimiento, y que el maestro se adapte a ella de forma creativa y gratificante, en la medida de lo posible.

A menudo el interés por la danza no dura más de tres o cuatro años, lo cual no resulta equiparable a los años de carrera que se necesitan para bailar. Por lo general, los estudiantes que logran cursar la carrera de bailarín serán exclusivamente los alumnos que presentan aquellas aptitudes intelectuales y físicas necesarias para mantenerse en la danza.

También se suele afirmar que el éxito en la danza se traduce en otras áreas de la vida del estudiante. Pero mi experiencia me señala que generalmente ocurre todo lo contrario: son los estudiantes de éxito los que permanecen en la danza y solo los mejores tienen la capacidad necesaria para abordar los desafíos del ballet en etapas avanzadas. Incluso los estudiantes de ballet son capaces de gestionar el trabajo escolar habitual mucho mejor que los estudiantes corrientes. Y como es natural, destaca el talento de estos individuos sobre los otros aspectos de sus vidas.

El ballet en si mismo no puede formar gente con éxito, si no que se necesita una persona de éxito para dominar el arte ballet. De modo que los resultados de los bailarines no profesionales difieren significativamente de los estudios de bailarines profesionales.

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Lucía Lacarra y Marlon Dino. El Lago de los Cisnes, Adagio

Entre los que abandonan la danza están aquellos que eligen bailar como un hobby y se sienten atraídos por la cultura de la danza, pero han dirigido su camino hacia otras metas. No obstante, valoran la actividad y siguen disfrutando con ésta aunque ya no persigan téminos profesionales.

Y luego están aquellos que guardan ciertos resentimientos por haberse sentidos excluidos de la comunidad de la danza, posiblemente por no contar con las condiciones necesarias, ya sea físicas, psicológicas o intelectuales.

También existen familias que temen que sus hijos/as deban hacer demasiado esfuerzo para llegar a ser bailarines (situación bastante más habitual de lo que se pueda suponer). Animarlos a la comodidad, al conformismo y a lo fácil no es forjar el mejor camino en ningún ámbito de la vida. Hasta ahora, existen carreras con mayor o menor grado de dificultad, pero no existe carrera profesional de ninguna índole que no requiera de esfuerzo y dedicación. El entorno social y familiar que habita cada uno también se vincula a sus motivaciones, aunque es este sentido no se puede generalizar, ya que hay bailarines destacados que provienen de círculos extraños al arte.

Por otro lado, el bailarín si bien es un ser especial, esa virtud a menudo lo aleja del resto de las comunidades artísticas o de los entornos habituales por diversos motivos: porque tal vez se siente diferente y no se identifica con los intereses corrientes, o bien, no le atrae la forma de vida que adoptan sectores ajenos a la danza. Si bien esto no debiera ser incompatible, la realidad demuestra lo contrario en muchos casos: el bailarín tiene tendencia al distanciamiento o a aislarse. Y la elección del tipo de actividad que se realiza, está asociado directamente a la personalidad del individuo.

Relacionado:

¿Qué debe tener un buen bailarín?

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Lucía Lacarra
Salud y Cuidados

Balanchine Body

George Balanchine (1904-1983), renombrado coreógrafo del ballet americano, adoptó la denominación “Balanchine Body” para hacer referencia al tipo de bailarines que él perseguía. Las personas con este tipo de cuerpo son literalmente muy delgadas. El razonamiento creativo detrás de estos términos implica que todos sus ejecutantes tengan el mismo aspecto para que sus cuerpos se ocupen de ejecutar los movimientos de manera muy similar. Estos cuerpos magros y largos también permitieron a Balanchine atenuar las líneas de los bailarines desde los pies hasta los brazos, y la delgadez de sus extremidades hizo que estas líneas no fueran interrumpidas por ninguna curva. Estas estilizadas líneas, según Balanchine, una bailarina gruesa nunca las podría lograr.

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Este tipo de cuerpo pronto fue deseado por muchas otras compañías de ballet de todo el mundo. Los bailarines que deseaban tener una carrera profesional necesitaban lograr este tipo de cuerpo para conseguir trabajo. De modo que esta tendencia hizo que muchos maestros empujaran a sus alumnos a estas normas.

En este sentido, los profesores de ballet tienen un gran impacto en la autoestima de sus alumnos. Los estudiantes admiran a sus maestros, y toman todo lo que sale de sus bocas como verdadero (por lo menos a una edad temprana). Si un profesor de ballet dice: “para ser un mejor bailarín se debe ser delgado”, a continuación, los estudiantes lo asumirán como un dogma (al menos aquellos con intereses profesionales) Y hay que admitir que a menudo los profesores de ballet son conocidos por burlarse de los estudiantes con peso, comparar a los estudiantes entre sí, y ejercer claros favoritismos.

Por supuesto que, como en cualquier relación humana, la relación maestro-alumno no será igual en todos los casos, pero a menudo el buen modo y la pedagogía brillan por su ausencia, y en lugar de aconsejar a un alumno en privado se hace de manera grosera y ofensiva.

Un alumno jamás debe ser tratado en condiciones de inferioridad, ya que, como joven está en todo su derecho de aprender, y quien sabe, en un futuro pueda enseñarnos muchas cosas. Y es cierto que también, hay jóvenes con ligero sobrepeso que tienen una gran capacidad de trabajo, los cuales deben ser guiados a perfeccionar sus líneas de la manera más apta y saludable. Por tanto, se hace muy necesario ajustar las actitudes con respecto al peso en el estudio del ballet, lo cual no implica tener que aceptar la obesidad o el sobrepeso, si no encausar el problema con respeto y tolerancia para lograr que los alumnos alcancen sus objetivos satisfactoriamente sin caer en humillaciones o descalificaciones que pueden conducir (en el peor de los casos) a serios trastornos de la alimentación.

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El mundo de la danza se centra en el movimiento del cuerpo humano, pero no todos los cuerpos han sido representados en las salas de concierto. La estética y la belleza se imponen de manera irrebatible. Desde hace más de cien años, los maestros y coreógrafos han combatido la obesidad de tal forma que un estudiante con sobrepeso se siente absolutamente excluido. Los jóvenes que sufren de obesidad pueden querer bailar, pero están desalentados por el clima social y el estigma que la comunidad de la danza mantiene contra la obesidad. También, la gente con sobrepeso piensa que no tiene lugar en una clase de ballet, aunque no persigan objetivos laborales.

La danza es un arte de control completo. Un bailarín debe tener conocimiento de todos los músculos de su cuerpo y debe utilizar este conocimiento para controlar cada músculo creando una forma o movimiento determinado. Para los bailarines , la importancia de tener un cuerpo largo, delgado y magro está por encima de todo lo demás. Muchas mujeres jóvenes sueñan con bailar en pareja y para ello, la bailarina debe tener suficiente fuerza para ayudar al intérprete masculino a levantarla, a girar con ella, y llevarla a través del escenario. Los jóvenes bailarines temen no tener la oportunidad de experimentar esto, y hacen todo lo posible para que esto ocurra.

Recientemente se han producido espectáculos de danzas más modernas que celebran la obesidad, y demostrando que más grande es más hermoso (por supuesto que no se trata de ballet académico) Claro que celebrar una vida tan poco saludable no es ético ni digno desde mi punto de vista. Pero estos valientes bailarines todavía pueden romper algunas de las muchas reglas de la danza y estar en una clase de ballet sin ser detenidos por la obesidad, lo cual resulta ponderable en principio. El objetivo será encaminarlos hacia una vida más sana donde el ballet resulte un firme aliciente para mejorar su estilo de vida.

Cuerpo Balanchine: características generales

  • Arcos y empeines altos
  • Piernas hiper extendidas largas y finas
  • Torso corto
  • Caderas estrechas
  • Cuello largo
  • Cabeza pequeña
  • Escaso pecho
  • Flexibilidad y en dehors
  • Promedio (chicas) : 1, 63 m altura / 47 kg peso (máx)

General

Mente y genes de un bailarín

Los bailarines también entrenan mentalmente
Hace unos años, un equipo de investigadores de la University College London (UCL), en Reino Unido, descubrió que en nuestro cerebro existe un “sistema espejo” que responde de forma diferente cuando vemos a un bailarín hacer una pirueta según estemos entrenados o no para ejecutar ese movimiento. Las neuronas que lo forman están “afinadas” para el repertorio de movimientos propio de cada individuo. Una de las principales conclusiones del hallazgo, según sus autores, es que atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física.

Inteligencia relacionada con el movimiento corporal
Junto a la inteligencia lingüística, la musical, la lógica/matemática, la espacial, la intrapersonal, la interpersonal o la espiritual existe una inteligencia corporal o cinestésica, que puede definirse como la habilidad para controlar los propios movimientos corporales y manipular objetos con cierta maña. Este tipo de inteligencia, según Howard Gardner, es la que está detrás de la capacidad del bailarín para “ver-y-hacer”, transformando una imagen visual dinámica o ciertas órdenes sonoras en una acción física.

Los genes de la danza
Tras analizar el código genético de distintos profesionales de la danza, en la Universidad Hebrea de Jerusalén han encontrado diferencias importantes en dos genes: el gen encargado de codificar el transportador de la serotonina, un neurotransmisor que entre otras cosas contribuye a la experiencia espiritual, y un receptor de la hormona arginina-vasopresina, que según estudios recientes modula nuestra capacidad de comunicación social. “Ambos son genes vinculados al aspecto emocional del baile” puntualiza Richard Ebstein, coautor del estudio.

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Joffrey Ballet, Victoria Jaiani y Fabrice Calmels. Foto: Herbert Migdoll
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Pavlova y “La Muerte del Cisne”

La prima ballerina Anna Pavlova era toda pasión por la danza, tanto es así que en cierta ocasión un acaudalado aristócrata ruso le propuso matrimonio siempre… y cuando aceptara dejar el ballet. Como era de esperar en un amor que pone condiciones ganó el ballet, pero también es cierto que uno de sus números más recordados está relacionado con este pretendiente.

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Anna Pavlova fotografiada con su traje de cisne

En una visita que Pavlova hizo a la casa de campo de este potentado pudo observar la agónica muerte de un cisne herido en uno de los estanques de la propiedad. El impacto que le produjo la visión de la muerte de tan bella ave fue sumamente intenso, tanto que se puso en contacto con el extraordinario coreógrafo y bailarín Michel Fokine expresándole lo mucho que deseaba poder reproducir aquel instante a través del baile. Era por ellos conocida la pieza “El cisne” perteneciente a “El carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns, un corto pero bellísimo tema que iba como anillo al dedo a los sentimientos que deseaban volcar en el nuevo ballet, y así, con estas influencias además de un poema de Alfred Tennyson, nació la coreografía de “La muerte del cisne” que usaba como base la pieza de Saint-Saëns. Fokine hizo un trabajo soberbio que cambiaría el mundo de la danza para siempre introduciendo en él las miniaturas como esta que brillaban con luz propia, al margen de los grandes ballets. Tras el estreno, Anna Pavlova exclamó:

“Tenía la impresión, mientras bailaba, de que también yo estaba agonizando”

Esta coreografía, de pocos minutos de duración ha sido ejecutada por todas las grandes bailarinas, especialmente Galina Ulanova, Alicia Markova, Yvette Chauviré, Alicia Alonso, Margot Fonteyn, Natalia Makarova y Maia Plisetskaya que con unos majestuosos y delicados movimientos de brazos hizo suya la pieza.

Fuente: Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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Los 10 mejores teatros de ópera del mundo

El libro 10 Best of Everything publicado por National Geographic en su edición de 2012 recopila los teatros de ópera más importantes del mundo del 1 al 10 respectivamente. En el libro han participado decenas de expertos y se ha ampliado con nuevo material y aportaciones de autores de la jet-set. Asimismo, para la puesta al día del top 10 se han hecho todas las revisiones necesarias. Estos son los diez Teatros de Ópera más sobresalientes:

  1. Teatro alla Scala, Milán, Italia
  2. Teatro di San Carlo, Nápoles, Italia
  3. Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina
  4. Royal Opera House, Londres, Inglaterra
  5. Bolshoi, Moscú, Rusia
  6. Sydney Opera House, Sydney, Australia
  7. Paris Opéra, París, Francia
  8. Ópera Real, Teatro de la Corte de Versalles, Francia
  9. Vienna Staatsoper, Viena, Austria
  10. Lincoln Center, Nueva York, Nueva York
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Royal Opera House
Salud y Cuidados

El miedo escénico en los niños

La Asociación Americana de Psiquiatría incluye el Miedo Escénico dentro del Manual  diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales.

Hay niños que desde muy pequeños manifiestan este trastorno, y exponerse a bailar sobre un escenario merma sus capacidades y rendimiento, generando en ellos una gran ansiedad irracional o excesiva que limita su actividad o bien, intentan evitarla.

Los padres, a menudo tienden a restarle importancia con aquello de que “son niños” o “son pequeños”, pero lamentablemente el problema existe y no habrá tendencia a mejorar si no se trata adecuadamente.

La relación de los niños con su profesor de ballet suele ser bastante estrecha y de conocimiento mutuo, de modo que el maestro no representa amenaza para el niño. Además todos los profesores implementamos los refuerzos y aprobaciones positivas para ayudarles, o corregirlos.

A menudo estos niños pueden ser buenos estudiantes, pero el problema llega cuando quedan solos frente al público. Dejan de escuchar la música, no bailan a ritmo o se apresuran demasiado, denotan torpeza, apenas se mueven y en el peor de los casos, se quedan de pie sin saber que hacer.

El miedo escénico está estrechamente relacionado con la autoestima y habría que analizar la situación que lleva al niño a experimentar ese bloqueo escénico, ya que cuando el niño tiene una inestabilidad emocional va a presentar inseguridad en las actividades que realice. En todos los casos, los papás deben brindarle a sus hijos, desde pequeños, seguridad afectiva, para que su desempeño sea óptimo. La ayuda de los progenitores es primordial.

Un niño o joven con estas características difícilmente pueda audicionar, examinar o bailar satisfactoriamente y sus objetivos estarán truncados en cualquier actividad que suponga estar frente a otras personas. Debemos ser conscientes de que el miedo escénico está calificado como una fobia social.

Retirarlo de la actividad suele ser la decisión más frecuente por parte de sus padres, pero evitando el problema no se solucionará. Los padres que tengan niños con miedo escénico no deben dejar de consultar con su pediatra o médico de cabecera para conseguir un diagnóstico preciso y remitirlos al tratamiento más favorable.

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Los niños con miedo escénico posiblemente no están recibiendo los estímulos necesarios en el entorno familiar
Salud y Cuidados

Escote a Punto

La piel del escote es muy fina y apenas posee colágeno, la sustancia que mantiene la piel tersa. Los grandes males de esta parte del cuerpo son adelgazar rápidamente y dormir de lado. El sol es su gran enemigo, manchas y pecas se deben a una exposición prolongada sin protección.

Escote a punto solo con tres pasos, de esta manera cuidaras al máximo esta piel que actúa como “sostén natural” y mantiene el pecho en su sitio.

1º Exfoliación. Se recomienda una vez por semana, así eliminas las células muertas, estimulas la regeneración celular y aumentas el colágeno. Al ser una zona sensible, el exfoliante úsalo facial, no corporal, es mas suave.

2º Hidratación. Se merece el mismo trato que el rostro, jabones suaves, tónicos sin alcohol y productos específicos para esta zona. Las cremas con una vez al día serán suficientes, dátelas con un masaje rotatorio en el pecho y en sentido ascendente hasta el cuello.

3º Terso y sin arrugas. Puedes someterle a un tratamiento tensor, mascarillas, ampollas y cosméticos con efecto “lifting”, todo ello para conseguir que tenga el mismo tono que tu rostro.

Un truco que no falla, maquíllalo, aplícate con una brocha gruesa un toque de polvos.

Pecho

Si eres bailarina tu nivel de grasa debe de ser muy bajo. Lo que sucede a menudo, es que a algunas mujeres los senos les crecen de mayor tamaño que a otras. En la estética del ballet la idea de un pecho grande y voluminoso no es el objetivo como en la mayoría de las mujeres, si no por el contrario, las chicas se preocupan porque su pecho no aumente demasiado su volumen.

Las bailarinas deben ser delicadas y un pecho grande no encaja con ese perfil. Además del anti estético efecto rebote que puede producirse en los saltos y con tutús que no permiten el fajado.

Asimismo, una bailarina de ballet debe ser refinadamente sensual, lo que implica utilizar su movimiento y su expresión para destacar su belleza y atractivo,  y no la simpleza de un atributo tan básico como los senos. El ballet es absolutamente sofisticado, no admite actitudes y rasgos primitivos, ni vulgares.

Alguien se imagina a una sílfide con mucho pecho? Desde luego, perdería todo su encanto y elegancia.

Si eres delgada y te sientes incómoda con tus senos, posiblemente debas plantearte una reducción  de pecho de carácter quirúrgico.

Modelo de bailarina. La exquisita belleza de Evgenia Obraztsova.